rudax

Vindicación. Cayendo hacia el pasado

2012-01-22T19:44:00.000+01:00

Vindicación feminista, edición facsímil a cargo de María Ángeles Larumbe, Prensas Universitarias de Zaragoza, 2010.

Me pongo a mirar, (¡por fin!) la publicación que reedita todos los números de la conocida y simbólica revista Vindicación feminista que inicia Lidia Falcón junto a otras pocas periodistas y escritoras en el nacimiento de la transición. Lo hago porque estoy leyendo un libro sobre el feminismo de los 80 y 90 y no me lo creo mucho, así que decido acudir a las fuentes, pero mi propósito inicial se desdibuja al ir recorriendo las páginas de Vindicación. El viaje hacia un pasado sólo leído resulta apasionante y me entretengo saltando la vista entre sus páginas, y descubriendo luchas y pensamientos de mujeres de las que luego he leído sus libros o he ido a escuchar, como por ejemplo Victoria Sau, una de las feministas españolas más independientes y suyas. Así que mi cabeza se encuentra invadida por un pasado lejano y cercano a la vez.

Tenemos la suerte de poder consultar todos los números digitalizados en:

http://www.unizar.es/gobierno/vr_institucionales/observatorio/vindicacion/index.htm

Por mi parte no sé si encontraré en este facsímil lo que voy buscando pero, como Alicia, tengo la impresión de haber caído en un mundo que está más allá de mi imaginación.

Claudia LLosa y los cuentos de hadas (1) MADEINUSA

2012-01-10T23:11:00.000+01:00

Este miércoles 11 de enero a las 19h. en la Casa de la Mujer se proyecta Madeinusa de Claudia Llosa (Peru - España, 2005) dentro del ciclo Cinefilias organizado por SIEM. El tema de debate es la imagen de la mujer indígena en el cine, aunque la pelicula da para mucho mas. Van aquí algunos apuntes personales.

Las dos películas estrenadas hasta la fecha por la cineasta peruana afincada en Barcelona Claudia Llosa, Madeinusa (2005) y La teta asustada (2009) guardan relación con dos preciosos cuentos de hadas: Piel de Asno, recogido por Perrault, y La Sirenita, de Andersen. Conozco estas versiones europeas y no sé si existen otras en América Latina. Ignoro también si Llosa las conoce. ¿Qué interés pueden tener estas comparaciones? Para mí son significativas sobre todo tras conocer la polémica suscitada por el trabajo de Llosa acerca de que sus películas continúen subalternizando a las personas indígenas, especialmente la primera de ellas. Donde otros y otras han visto una barbarización del mundo quechua como inculto y violentamente patriarcal, yo he visto una historia efectivamente de abuso machista sobre las mujeres pero de valor universal, traspasable a todas las etnias y clases sociales. Desgraciadamente el patriarcado está globalizado desde hace siglos, y me interesan los procesos de liberación que desarrollan las protagonistas de ambas películas de una forma a mi entender nada localista. Sin intención de deshechar las reflexiones introducidas por algunas de estas críticas, deseo aquí relatar mi recepción diferente de las películas y encuentro que puede tener sentido ponerlas a dialogar con dos cuentos europeos que traen también motivos y símbolos universales, como es propio de los cuentos populares.

Madeinusa, como Piel de Asno, muestra la estrategia seguida por una joven hija para huir del intento de abuso sexual de su padre. Piel de Asno es la joven princesa cuyo padre, viudo, habiendo prometido a la difunta madre en su lecho de muerte no volverse a casar con una mujer que no fuera mejor que ella misma, se da cuenta un buen día de que su hija es todavía más hermosa que la madre muerta e igual de virtuosa, con lo que le propone-ordena contraer matrimonio con él. Madeinusa es el nombre de la adolescente hija del alcalde de Manayaicuna, pueblecito imaginario perdido en los Andes. Su madre no ha muerto sino que ha huido a Lima. El padre pretende abusar de Madeinusa pero ella, sin enfrentarse, le da largas: si no es virgen no podrá participar en el concurso de vírgenes del pueblo. Se acerca la semana santa y este pueblo tiene la tradición de vestir a sus jóvenes vírgenes como vírgenes barrocas y elegir a la ganadora como una especie de “reina de las fiestas”. A partir del viernes santo a las 3 de la tarde, momento en el que muere Cristo, hasta el domingo de resurrección, Manayaicuna entra en “tiempo santo”, tres días en los que, como Cristo está muerto, no puede ver nada y el pueblo entero hace lo que le viene en gana, no existe el pecado y la semana santa se carnavaliza y se sumerge en un estado de profanación de lo sagrado y de lo establecido, el tiempo se suspende y entra en un estado de excepción el que la violencia estructural se manifiesta en el ciclo profano-festivo-sagrado. Madeinusa se libra de su padre, en un primer momento, gracias al vestido, al disfraz de virgen barroca, y la veremos vestida tanto de Inmaculada como de Dolorosa. También Piel de Asno, sin enfrentarse directamente a su padre, lo emplaza a regalarle, como presente previo a la boda, un vestido del color de la luna, convencida de que le será imposible imitarla. Pero el padre contrata a los mejores sastres y orfebres y le ofrece el vestido. Sin desanimarse, ella le pide un segundo vestido, este del color del sol, previendo que esta vez la imitación resultará imposible, pero no es así, y un resplandeciente traje dorado le es presentado. Por tercera vez, ella le pide un traje del color del tiempo. Esta imagen me subyuga: ¿cómo es el color del tiempo? ¿qué tiempo, el de las estaciones, el pasado, presente o futuro, tiempo climatológico, cósmico o…? No puedo dejar de relacionar el tiempo del traje con el tiempo suspendido en los tres “días santos” en los que se desarrolla la acción de Madeinusa, tiempo que en la película de Llosa es contabilizado por un viejito que cumple el papel de reloj humano. Y el rey del cuento consigue el traje para su hija. También la belleza de las imágenes conseguida por Perrault en el duelo entre padre e hija a cuenta de los vestidos, se enlaza en mi mente con la alucinante belleza de la película de Llosa, con una estética potentísima que te atrapa sin dejarte a veces reflexionar acerca de lo que estás viendo.

El caso es que el rey consigue el traje del color del tiempo para su hija. Desesperada, le reta a regalarle, por último, la piel del asno que es la mayor riqueza de su padre, pues este animal caga todas las mañanas monedas de oro a las que el monarca debe su opulencia. El rey, cegado por el deseo hacia su hija, ordena sacrificar al animal y le ofrece su piel. La princesa se echa la piel por encima y así, disfrazada de pordiosera, huye de la corte. Lejos del peligro, trabajando en una granja, conocerá al príncipe de ese lejano reino con el que, mediante un ardid de la princesa a través de una joya, -una sortija-, se casará. Madeinusa también acabará alejándose de su pueblo, pero sin matrimonio final y tras otras peripecias diferentes. Primero llega Salvador, un joven de la capital, cuyo nombre, en plena semana santa, unido a su aspecto físico, ya nos adelantan su función de cordero pascual, que va a salvar a alguien pero no de la manera en que él piensa. Madeinusa se enamora de Salvador y tienen una relación sexual en el tiempo suspendido libre de pecado. Mas no consigue librarse de su padre, la película es una ficción pero no es un cuento de hadas, y el alcalde abusará de su hija. Enojado por no ser el primero, destroza unos pendientes –otra joya- que Madeinusa guarda como recuerdo de su madre y como símbolo de la liberación ya lograda de ésta y futurible de la protagonista. Cuando finalmente Madeinusa se venga definitivamente de su padre, el motivo que esgrimirá no es el abuso sexual, sino el destrozo de los aretes por parte de éste. La liberación de Madeinusa no es gratuita (ninguna lo es), se produce con dolor, muerte y con el sacrificio de un ¿inocente?. En este momento me identifico con Salvador, soy como él blanca y urbanita, y puedo llegar a autoconvencerme de que con una acción individual y bienintencionada conseguiré “salvar” a una joven indígena de su opresión. ¿No es este un error del feminismo blanco de clase media? ¿Es un error inocente? Tanto Piel de Asno como Madeinusa escapan de una situación terrible. La salida de Piel de Asno es positiva y presenta un final feliz propio de los cuentos clásicos. La de Madeinusa es dura, difícil y contradictoria, como la vida misma, pero escapa y eso me parece muy importante.

Elisabeth Badinter, La mujer y la madre

2012-01-03T21:00:00.000+01:00

Empezamos nuevo año con nuevos proyectos. Estamos preparando un taller sobre maternidad, basado en el polémico libro de Elisabeth Badinter. Os adelantamos algún texto y os avisaremos cuando lo hagamos. Feliz Año!!

“1980-2010: se ha producido una revolución en nuestra concepción de la maternidad, casi sin que nos diéramos cuenta. Ningún debate, ningún grito ha acompañado esta revolución, o más bien esta involución. Sin embargo, su objetivo es considerable puesto que se trata ni más ni menos que de devolver la maternidad al centro del destino femenino”.

CAMPING, de Pilar Gutiérrez

2011-12-23T10:40:00.003+01:00

Hoy a las 20h. se estrena en el Centro de Historias de Zaragoza el cortometraje Camping de Pilar Gutiérrez. Me gusta mucho cómo muestra Pilar los aspectos afectivos de una situación generada por la crisis económica como es un deshaucio. Con mucho humor y aparente ligereza, sus personajes nos dan la medida emocional de cuestiones políticas de primera linea como la crisis de los cuidados, o educativas como las relaciones entre adolescentes, e introduce con naturalidad el deseo entre mujeres como en otro de sus cortos, el estupendo El patio de mi casa. Con mucha chispa, las relaciones entre sus protagonistas (excelentes interpretaciones) me sugieren caminos que se burlan de la gran estafa del capitalismo, de lo normativo, de lo perfecto: la felicidad viene por otras vías. La importancia de los vínculos interpersonales, el amor, la sexualidad. Genial para estas fechas ¿no?

Pincha aquí ver el trailer

Jane Eyre de Cary Fukunaga

2011-12-04T22:33:00.002+01:00

Jane Eyre

Se acaba de estrenar una nueva versión de Jane Eyre, una de las versiones más románticas que he visto. Entender el romanticismo tal y como lo vivían los jóvenes del siglo XIX hoy es difícil porque la palabra se ha ido convirtiendo en un género rosa, empalagoso y sobre todo muy mentiroso. Pero el joven Werther y la legión de jóvenes que le siguieron entendían el amor de una forma apasionada, violenta, natural y algo salvaje, donde los sentimientos eran difíciles de acallar, de evitar, de encubrirlos o de pelear contra ellos, porque cuando eran sinceros, brotaban de lo más íntimo de una persona y la definían de forma tan evidente como un rasgo físico.

Pero esta novela es victoriana, realmente el romanticismo estaba ya siendo superado por muchos autores a quienes les parecía que el romántico extremo, el gótico, se alejaba demasiado de la realidad y entraba excesivamente en el mundo de la fantasía.

Charlotte Bronte, sabe aprovechar lo mejor de cada tendencia literaria y la condensa en la historia de una mujer, sus sentimientos, la afirmación de sus propios valores.

La versión cinematográfica realizada por Cary Fukunaga es un juego con esos valores del primer romanticismo rebelde y descontrolado. Por eso los paisajes, la dura naturaleza es otra protagonista más de la película que sigue los vaivenes sentimentales de la protagonista sin darle tregua. El frío de las casas, la poca luz que daban las velas en cuanto anochecía o el insuficiente calor de las chimeneas te va adentrando en los misterios de la historia de Jane Eyre, tanto o más que una visión más gótica de la casa encantada o los gritos en la oscuridad que refiere la autora en la novela.

Y esta Jane Eyre, dura como el paisaje, como un pajarillo siempre alerta, siempre a la defensiva, Jane se mueve lentamente, con cautela, en el mundo de los sentimientos amorosos que la van atrapando casi a pesar de sí misma. Por eso los momentos donde ella se expresa son realmente emocionantes.

La versión es bastante fiel a la novela. Evitando las partes más góticas, evitando las partes más trasnochadas, la película vuelve a hacer de Jane Eyre un clásico totalmente contemporáneo.

Los Nuevos Feminismos y la pregunta por lo común. Silvia L. Gil

2011-11-10T00:15:00.003+01:00

Hoy a las 19.30 escucharemos en el centro Joaquín Roncal una conferencia de Silvia L. Gil acerca de los Nuevos feminismos. Experiencias situadas a partir de los noventa en el Estado español, organizada por el SIEM dentro del ciclo “La actualidad a debate desde la perspectiva de género”

La editorial Traficantes de sueños ha editado recientemente el libro de esta autora Nuevos feminismos. Sentidos comunes en la dispersión. Una historia de trayectorias y rupturas en el Estado español. Investigación viva atravesada por la inquietud y el deseo de interrogar la realidad, traza un recorrido acerca de las mutaciones sucedidas en las últimas décadas en el seno de los feminismos, atendiendo a tres preguntas fundamentales:

- cuáles han sido los puntos de cambio o inflexión que han producido nuevas prácticas y significados,

-cómo ejercer una memoria política activa que recupere referentes borrados por el discurso dominante,

-y cuáles son las posibilidades actuales de articular luchas comunes a pesar de la dispersión, la crisis y la constatación de la multiplicidad de sujetos en el feminismo.

El libro está organizado en tres bloques:

- La Autonomía y sus significados, desde los grupos autónomos surgidos en los años setenta hasta la codificación empresarial e individualista de este concepto en nuestros días

-La Diferencia y las diferencias entre las mujeres. Ya no tenemos un sujeto único que nos representa y el mismo capitalismo nos empuja a vivir una vida diferente y original, eso sí, sin salirnos del aislamiento cotidiano ¿Afirmar diferencias y/o buscar puntos de unión?

-La Globalización, la interdependencia global, social e íntima, el conflicto entre capital y vida, ¿por qué es más atractiva la idea de no cuidar que la de cuidar?

Y articulado por tres niveles de análisis:

-uno histórico y analítico,

-otro basado en entrevistas y relatos elaborados por colectivos,

-y un archivo gráfico, comienzo de un estupendo y necesario proyecto de cartografía visual de las prácticas feministas en el estado español, que esperamos continúe!

Mil gracias a Silvia por el esfuerzo, sabemos que el parto ha sido duro pero la criatura es interesantísima, y yo diría que ha sido niña! No os la perdáis.

Amas de casa (5). Radical homemakers

2011-10-23T20:21:00.001+02:00

Subo hoy al blog uno de los libros sobre amas de casa que me causa más contradicciones. Imagino que al ser contemporáneo me siento más interpelada y me parece que tiene algo más que ver conmigo aunque según lo que leo pienso que no.

Por eso aquí lo traigo. Como el libro es de una autora americana y está sin traducir, cuelgo la traducción por párrafos de su introducción, en este texto ya aparecen suficientes pistas para la reflexión. Cuelgo la traducción por párrafos, tal y como la hice en su momento y subo también el original publicado. Desde ya, pido perdón por los errores que pueda haber en su paso al español.

Trata de muchas opciones en la vida de las mujeres más contemporáneas (trabajar o no fuera de casa o la familia como unidad de consumo o de producción. Tener hijos, opciones políticas coherentes, la importancia del dinero, la influencia del feminismo de los 70 en la vida de las mujeres estadounidenses, la mística de la feminidad).

La autora es Shannon Hayes y el libro se titula

Radical Homemakers: Reclaiming Domesticity from a Consumer Culture

La traducción

La introducción del libro la puedes descargar en este enlace

Contra la dictadura de los mercados. Por la Soberanía Popular

2011-10-10T00:20:00.000+02:00

15 DE OCTUBRE

MANIFESTACIÓN MUNDIAL POR UN CAMBIO GLOBAL

Los collages son de Gloria Vilches (bellísima página)

descubiertos gracias a Palomitas (gracias!)

Séraphine

2011-10-02T21:27:00.000+02:00

La pintora Séraphine de Senlis engloba varias de las características de la artista de finales del XIX, principios del XX: es pobre, autodidacta y loca. Una película recoge su vida y la pone de moda de nuevo. Sus cuadros de flores son la intelectualización de su percepción de la naturaleza y su forma de expresar lo único que parecía hacerla feliz.

La película, muy interesante, muestra cómo enloquecer todavía más a una persona ya frágil debido a actos aparentemente bondadosos. No deja de haber paralelismos vitales con la escultora Camille Claudel: su final, la intervención masculina, que fue determinante en sus vidas, la destrucción o dejación de gran parte de su obra... Es un buen descubrimiento para empezar el otoño.

Lectoras: carta de amor y orden de deshaucio

2011-09-17T01:26:00.001+02:00

Tom Hunter, Mujer leyendo orden de deshaucio, 1997

Así actualiza el fotógrafo inglés Tom Hunter a la Lectora en la Ventana de Vermeer. El tratamiento que el pintor holandés da a la intimidad del espacio privado se convierte en la fotografía de Hunter en una poderosa apuesta por la realidad de su entorno londinense. Las manzanas bajo la ventana en el cuadro, que, apuntando a la tentación de Eva, sugieren el contenido de la enigmática carta que lee la mujer pintada, se convierten en la fotografía en el bebé que será deshauciado junto a su joven madre.La carta de amor del Barroco se transforma así en la injusticia capitalista del presente. La reserva del interior burgués frente a la politización del espacio cotidiano.

Jan Vermeer, Lectora en la ventana abierta, 1658

La revisión de Tom Hunter nos acerca a nuestra realidad

Y más:

FEMINIST BLOG CAMP

2011-09-08T13:55:00.001+02:00

Mónica nos envía esta convocatoria desde Torino. Un súper encuentro de bloggeras feministas, todas las posibilidades de la red al servicio de acciones y reflexiones realizadas desde el feminismo.

Seminarios, talleres, proyecciones,

debates, música, arte,

investigación,cultura, tecnología,

deseo, sexualidad, precariedad,

migraciones, economía, crisis,

cuidados...

...

trabajo, ecología, visibilidad,

diferencias, común, colectivo,

participación, escritura,

imaginación, video, poesía , ceros,

unos y su (nuestra) capacidad

transformadora.

¿Quieres JUGAR?

2011-08-12T14:24:00.000+02:00

Como despedida de verano y hasta la vuelta dejamos una historieta gráfica de una de nuestras firmas invitadas, Miss Ontherocks (gracias!!)

Amas de casa (4) Dibujadas

2011-07-28T10:53:00.002+02:00

Una de las mejores representaciones que se hicieron de la mística de la feminidad en los 60 es la serie de dibujos animados Los Picapiedra. Sus creadores, Joseph Barbera y William Hanna supieron divulgar perfectamente las evidencias de una sociedad inmersa en un pensamiento consumista en donde los hombres representaban la fuerza del trabajo, pero también de la creatividad y de la iniciativa y las mujeres debían ser sustento del hogar y madres fundamentalmente. Así pues, Los Picapiedra constituyeron la perfecta divulgación del resultado de la mística en la sociedad americana. Pero ¿en qué consistía su poder de atracción para llegar a convertirse en una de las series más vistas en la historia de la TV? La mezcla entre modelo normativo y crítica que recorre todos los capítulos es, seguramente, el secreto de su éxito. Por un lado mostraban la situación "perfecta" de una familia americana: el padre trabajador, la esposa entregada, el bebé perfecto, los buenos vecinos. Pero la situaciones ridículas en las que siempre termina su protagonista nos alejan de ese modelo y sirven, no tanto para criticarlo como para que cualquiera se sienta identificado en algo con él.

¿Quién quería ser como Wilma Picapiedra?

Sin embargo, ninguna de las niñas que veíamos la serie queríamos ser como las afanosas Wilma y Betty Mármol. En nuestros sueños y envidias estaban Pippi Calzaslargas (Pippi Langstrumpf) o Jo, la segunda hermana de Mujercitas, pero nunca he escuchado a ninguna mujer que hubiera tenido en su pensamiento de futuro a la familia Picapiedra. Sin embargo su modelo de matrimonio, incluso de mascota (¡cómo no nombrar a Dino!), de bebé, de casa y de vida vecinal era una meta a conseguir en una España que se estaba alejando del mundo rural y quería pertenecer de pleno derecho a las ciudades que mejor o peor les acogían.

Wilma (y Betty como apéndice del modelo femenino) es el contrapunto de Pedro. Realmente ella no suele tener la iniciativa, únicamente pone la sensatez en las locuras que se le ocurren a Pedro y que son el meollo gracioso de la historia. Wilma es una mujer atenta en su trabajo, consciente de la realidad, observadora de las reglas sociales, coqueta con su imagen y analítica sobre el mundo que le rodea. Es cómplice con Betty, su gran amiga y espejo de su vida familiar. Wilma es una mujer sensata y sin un ápice de imaginación. Realmente está, intelectualmente y por su carácter, muy por encima de su marido aunque procura ocultarlo tratándolo como el rey de la casa. De todas formas la serie, fiel fundamentalmente a la ironía que destilan sus diálogos, no deja de ponerla a veces en situaciones comprometidas que sirven para ridiculizar también su modelo femenino.

No recuerdo que apareciera un capítulo en la serie que tratara "el mal que no tiene nombre" tal y como lo nombra Betty Friedan. Más bien la serie de dibujos cumplía a la perfección su papel divulgador y educativo, como ningún otro medio hubiera podido hacerlo, de desear como felicidad completa para las mujeres ser amas de casa y tener como fin último la atención a su marido, su hogar y sus hijos y aleccionadoramente también les enseñaba a los niños cómo ser felices alcanzando una clase media acomodada, incluidas barbacoas. Otras series acompañaron esta aleccionadora educación, como por ejemplo "Embrujada" pero ésta merece una entrada aparte.

Dependencias Mutuas (5) Daniela Ortiz

2011-07-15T23:29:00.003+02:00

La familia estaba compuesta por el marido, la mujer y cuatro hijas mujeres. La esposa y el esposo se parecían entre sí y las cuatro niñas se parecían a ambos. En las fotografías familiares que había en todos los rincones de la casa, sus seis cabezas rubias de distintos tamaños aparecían muy juntas, como si fueran un ramo de flores y estuvieran atadas entre sí por un hilo invisible. Sonreían al mundo, dando la impresión de que lo encontraban abrumadoramente hermoso. Las sonrisas no eran falsas. De todos los sitios que habían visitado, y parecían haber viajado por todo el mundo, habían traído un pequeño recuerdo y todos ellos podían recitar su historia desde el principio. Incluso cuando caía una pequeña llovizna, admiraban la forma en que el agua veteaba el aire limpio.

Jamaica Kincaid, Lucy

97 EMPLEADAS DOMÉSTICAS (2010)

Serie compuesta por setenta y siete fotografías de grupos de personas de clase alta peruana en situaciones domésticas cotidianas. En cada una de estas fotos aparece en el fondo de la imagen, fuera del área enfocada o prácticamente fuera del campo de la imagen, una o varias empleadas de hogar. Todas las imágenes han sido recogidas de la red social Facebook. Este proyecto se materializó en un libro editado el pasado año[1]. El libro presenta la portada y las páginas iniciales completamente en blanco. A continuación podemos ver las setenta y siete imágenes recogidas por la autora, sin pie de foto ni información alguna, y sólo al final encontramos el título de la serie y el nombre de la artista, y un espléndido texto escrito por Marcelo Expósito [2]. Cierran la edición los créditos de la publicación y es entonces, ya con toda la información, cuando podemos volver a mirar las fotografías desde el principio y descubrir con estupor todo aquello que nuestra primera visualización ha obviado, nuestro propio fuera de campo: brazos, piernas y siluetas más o menos lejanas de las trabajadoras que sostienen a las familias felices retratadas; aquello que es excéntrico a la representación institucional es lo que más va ampliar nuestro conocimiento acerca de las relaciones de poder que el encuadre ha pretendido dejar fuera sin, finalmente, conseguirlo.

Expósito relata en su texto el arranque de este proyecto: en 2006, la joven artista peruana Daniela Ortiz solicita ayuda a la rama adinerada de su familia para trasladarse a vivir a Europa. La familia le ayuda a conseguir un trabajo relacionado con sus competencias artísticas, en el entorno de amistades de la familia, que le proporcione la renta suficiente para desplazarse a Barcelona. Así, Daniela trabaja filmando los momentos vacacionales o de ocio de familias peruanas pudientes en la playa de Asia, al sur de Lima, vídeos de uso privado que documentan la actividad informal de los niños de estas familias. Se le dio una indicación en especial para la realización de este trabajo: las trabajadoras domésticas no debían aparecer en las filmaciones. Expósito cita también en su texto una polémica que llevó la playa de Asia a los medios de comunicación peruanos: se discutía si las trabajadoras domésticas debían dejarse ver siempre en uniforme o por el contrario estar autorizadas a vestir ropa informal en público. Estaba en juego el señalamiento del estatus social y la visibilidad de las diferencias de clase en ese espacio social.

Paula Gonzalo flipando con la pieza de Daniela en en el montaje de la exposición en la Casa de la Mujer

Partiendo de esta primera experiencia laboral de Daniela Ortiz que le permitió instalarse en Europa para continuar con su carrera artística, el texto de Marcelo Expósito repasa otros trabajos en los que la artista ha conjugado trabajo asalariado, trabajo intelectual-artístico y trabajo político, todos dentro de la misma actividad y no como momentos diferenciados de la vida cotidiana (como los generados en su experiencia como empleada de una pastelería de lujo en Barcelona), en los que Daniela encarna el conflicto inherente al arte contemporáneo acerca del tabú sobre las condiciones materiales del trabajo del arte y sus fuentes de financiación extra-artísticas, que convierten en muchas ocasiones a los y las artistas en un precariado de élite.

La relevancia de cuestiones como la clase, el género y el origen étnico en la trayectoria de Daniela Ortiz queda plasmada en otra de sus intervenciones: “ES DE PUTA MADRE SER MUJER”, escrita en un muro del festival FEMART09. El proyecto fue aceptado en la convocatoria organizada por el centro feminista Caladona de Barcelona, y el comité organizador decidió utilizar la frase en la campaña publicitaria del festival, imprimiendo 10.000 flyers con ella. Días antes de la inauguración, Ortiz propone cambiar la frase seleccionada para la pared, escribiendo lo que sería la continuación de la misma. En un principio se le denegó la propuesta. Finalmente, tras debates con el resto de participantes y con las organizadoras, se le permitió escribir “ESPAÑOLA, BLANCA Y DE CLASE MEDIA” en el muro.

La artista ha comenzado un nuevo proyecto sobre el espacio vital dentro del hogar otorgado a las empleadas domésticas, análisis e investigación sobre la "arquitectura de servicio”.

Para terminar, os recomiendo ardientemente esta entrada del fantástico blog hermano Palomitas en los ojos, que amplifica el sentido de esta exposición con inteligencia e ironía. Todo un lujo.

[1] Daniela Ortiz, 97 empleadas domesticas, Barcelona, Generalitat de Catalunya, Secretaria de Joventut, 2010.

[2] Marcelo Expósito, D-O I-5. En el año 2006, la joven artista peruana Daniela Ortiz de Zevallos solicita ayuda a la rama adinerada de su familia para poder trasladarse a vivir a Europa, en Daniela Ortiz, op. cit.

Amas de casa (literarias) (3). Carmen Laforet. Una mujer en fuga

2011-07-03T15:22:00.000+02:00

Me recomienda la biografía de Carmen Laforet, él sabe que me gustará. ¿Y... qué sé de la vida de la autora de Nada? Casualmente cae en mis manos la vida de una mujer española de los cincuenta (y muchos más) que me permite seguir reflexionando sobre la mística de la feminidad. Porque el fenómeno en España tuvo unas características diferentes a las descritas por Friedan en su libro, referido a mujeres estadounidenses. La España católica y franquista de los cincuenta, todavía intentando salir de una posguerra que quiere olvidar, muestra una clara mística de la feminidad representada en la Virgen María, en la Sección Femenina y en los anuncios publicitarios del momento que no sólo eran expresión del pensamiento nacional sino que creaban opinión.

Carmen Laforet es una muestra especialísima del pensamiento totalitario que envolvía el día a día de las mujeres pero con un añadido que, para ella, resultó devastador: era una creadora, una sensibilidad exaltada que en el único momento de libertad vital (siendo estudiante en Barcelona) fue capaz de escribir una novela renovadora de la literatura española del siglo XX. Esa capacidad fue anulada a lo largo de los años por sus propias inquietudes, sus contradicciones con la vida intelectual del momento y por su marido, que le impediría escribir nunca más sobre historias basadas en su propia vida.

Carmen Laforet intenta ser una buena ama de casa y cumplir así el sueño femenino inculcado a todas las mujeres, tiene 5 hijos (3 hijas y 2 hijos), y vive en pareja mucho más tiempo del que ninguno de los dos hubiera deseado. Pero conserva el extrañamiento por la vida que tan bien sabe mostrar Andrea, la joven protagonista de su mejor novela.

Hay un ingrediente más que hace interesante la complejidad de Carmen Laforet y a la vez hace de su experiencia algo extrapolable al resto de la sociedad de entonces. Exactamente a mitad de los cincuenta ella vive un proceso místico/beato que es resultado de su búsqueda de algo más de lo que la vida le ofrece (casa, niños, dificultades económicas y un intento siempre fallido de escritura que demostrara mantener el mismo nivel de su primera novela). Como efectivamente señalan los autores de su biografía, Carmen Laforet ensaya varias formas de huida y una de ellas es la religiosa. Lo curioso es que su acercamiento viene de la mano de una mujer, de la que, se insinúa a lo largo de la biografía, Carmen se enamoró de forma absolutamente reservada y secreta.
Pero todos sus intentos de huir (de su vida, de su compromiso literario con Destino y Planeta, de su imagen de ganadora y representante de una nueva literatura en el país) fallan ante una realidad que la enfrenta una y otra vez consigo misma. Realmente Carmen Laforet, que con Nada se alejaba totalmente de los esquemas que la nueva España forjaría para la mujer, peleó toda su vida por intentar amoldarse a esos esquemas impuestos y conservar al mismo tiempo su capacidad creadora. Desgraciadamente parece que no pudo resolver ni una cosa ni otra.

Nada es una novela conmovedora. Edgar Neville hizo una adaptación en el año 47, he encontrado un fragmento que puede que anime a leerla.

Amas de casa (2) Sue Kaufman, Diario de un ama de casa desquiciada

2011-06-12T22:00:00.000+02:00

Sue Kaufman, Diario de un ama de casa desquiciada, Libros del Asteroide, 2011

Esta novela de Sue Kaufam, que continúa con mis reflexiones y encuentros con el ama de casa, demuestra que cuando en 1963 Betty Friedan escribió La mística de la feminidad miles de mujeres estadounidenses entendieron perfectamente a qué se refería Friedan cuando escribía sobre ese "no sé qué" del que le hablaban las entrevistadas, que ni ellas mismas tenían palabras para explicar y ni siquiera muchas de ellas sabían si querían hacerlo. Pues bien, cinco años más tarde una universitaria de clase acomodada, un poco mayor que Sylvia Plath, le ponía las palabras adecuadas y lo explicaba perfectamente. Ese no sé qué, estaba convirtiendo a muchas mujeres de la década en amas de casa desquiciadas.

El acierto de la elección formal, la intimidad revelada por medio de un diario personal, nos acerca inmediatamente a la protagonista, la cual va desgranando poco a poco su vida, analizando sus decisiones e intentando entender por qué ha llegado hasta ese momento. Ese recorrido aparentemente fácil y sencillo, incluso vulgar, nos va a la vez desgranando la famosa enfermedad sin nombre.

Pero ¿qué es la mística de la feminidad? escribe Friedan:
"Gracias a esa refinada trampa logra sencillamente convertir ciertas facetas domésticas, concretas y limitadas de la vida femenina -tal como era la vida para aquellas mujeres cuya existencia estaba limitada por necesidad a cocinar, limpiar, lavar y tener hijos-, en una religión, en un modelo por el cual todas las mujeres deben regirse de ahora en adelante, o renunciar a su feminidad" (p.70)

Tina Balser, la protagonista de la estupenda novela que nos ahonda en su pensamiento más sincero, tiene su propia evolución, desde la primera expresión de una necesidad nueva hasta la clarividencia de una situación. Y su propia evolución sin final romántico es la que consigue afianzar más la fuerza de la novela.

Leo que Sue Kaufman fue un referente para la nueva conciencia femenina norteamericana y así lo demuestra la rápida adaptación que tuvo su novela al cine. El video ilustra muy bien, muy en la época, uno de los momentos en los que ella tiene que ejercer de "buena esposa" acompañando a su marido a una fiesta que sólo le interesa a él. Si puedes, no te la pierdas.

La revolución será feminista o no será

2011-05-25T10:46:00.001+02:00

Fotografía: Carlos Buj

Preparado por varias mujeres y leido por Mónica el pasado sábado en el foro ciudadano de la Acampada de la Plaza del Pilar de Zaragoza. Lástima que no se aprecie su bonito acento italiano:

Compañeras y compañeros,

las mujeres también estamos aquí, no nos invisibiliceis, no nos invisibilicemos.

Mujeres, subid a contar lo que os cabrea y ya basta de lenguaje machista, si queremos un mundo nuevo, utilicemos un lenguaje nuevo.

Las mujeres trabajamos grátis cuidando niñas, mayores, la casa, los afectos y cuando salimos al mercado laboral cobramos menos.

Queremos el reparto de la riqueza, pero también el reparto de los cuidados.

Queremos acabar con la violencia policial, pero también con la violencia de género.

Queremos acabar con el capitalismo, pero también con el machismo.

Queremos acabar con las desigualdades sociales, pero también con las desigualdades de género.

Queremos estar aquí y queremos que se nos vea.

Mujeres! Ésta también será nuestra revolución!

"Aquí están, éstos son, los ovarios de Aragón!"

Más cosas: Como sabéis que nos gusta lo de las mujeres y lxs niñxs primero, reproducimos información sobre la Asamblea Infantil de la Acampada, sacada de su web:

Al mismo tiempo la Asamblea Infantil, con mucha más clarividencia, ha demandado varias medidas entre las que cabe destacar algunas como mejoras en el profesorado, más espacios verdes en la ciudad o más perros. También, una niña asamblearia definió asamblea como "un lugar donde la gente se junta para hacer las cosas mejores"

Y para terminar, el enlace al artículo de Belén Gopegui en Rebelión, Un taller de feminismo para principiantes en la puerta del Sol. SERÁ FEMINISTA.

Dependencias Mutuas (4) Natalia Iguiñiz.

2011-05-08T01:24:00.002+02:00

¿Quién es la otra mujer? ¿Cómo puedo dirigirme a ella? ¿Cómo se dirige ella a

mí?

Gayatri Spivak, 1986

LA OTRA (2001)
María Andrea y Charo, Charo y Rosario, Verónica y Norberta.

Empecé cuando me mudé con mi chico y en la repartición de tareas terminé haciendo cosas por él, que pensé cómo sería hacer esas mismas cosas no por amor sino como un trabajo. Siempre en mi casa hubo una empleada doméstica, y ahora que vivo con mi pareja y mi hija pequeña también contrato a una trabajadora del hogar. Y por más que los regímenes laborales cada vez sean mejores, a mí aún me genera contradicción. Creo que más que un tema es una problemática: el trabajo doméstico en muchos lugares del mundo sigue teniendo características serviles, que en Perú se cruzan específicamente con problemas de racismo y sexismo[1].

Iguiñiz nos hace interrogarnos: ¿quién es la otra?, ¿la empleada?, ¿la empleadora?, ¿la fotógrafa? Y eso dependerá de quién haga la pregunta, de su clase social, su lugar de origen, etc.

La otra es una serie de retratos fotográficos de veinticinco parejas de empleadoras-empleadas que expresan el problema
del otro visto desde la intimidad del hogar limeño de clase media. Para la empleada doméstica, el otro lo constituye la empleadora y su familia. Para la empleadora, el otro es evidentemente la empleada. El hecho de que cada foto lleve como título sólo los nombres de pila de las retratadas, sin discernir a quién pertenece cada cual, tiende a reforzar la posición pretendidamente neutra y paralela de cada una de ellas. En realidad, tiende a desmantelar esa neutralidad inexistente y a mostrar, supuestamente desde la distancia profesional y la desafectación, una realidad marcada por las diferencias económicas, sociales y étnicas. Se trata de retratos de esmerada composición, todos delante del sofá de la casa empleadora, ese lugar del ámbito privado donde se recibe, que muestra la posición de su dueña, que contextualiza la relación existente entre la pareja retratada.

El mundo doméstico como lo otro del mundo público, o las fotógrafas pioneras como las otras en los comienzos de la fotografía. En el texto que Iguiñiz incluye en su web, Antonio Ramos pone en relación la serie La otra con los retratos mágicos de Julia Margaret Cameron, una de estas pioneras, quien utilizó como modelos a varias de sus camareras, Mary Hiller y Mary Ryan, que posaron para ella como madonnas, hadas o ninfas, y con la actitud cuestionadora de Diane Arbus, quien exploró como nadie la condición humana a través de sus retratos de “los otros” de esta sociedad.

La propia artista eligió los siguientes versos de Octavio Paz para acompañar a la exhibición de su serie en una muestra anterior:

para que pueda ser he de ser otro,

salir de mí, buscarme entre los otros,
los otros que no son si yo no existo,

los otros que me dan plena existencia

Y declara partir en su trabajo de sus propias contradicciones, no para juzgar sino para profundizar en la realidad a través de exacerbar esas contradicciones. Las fotografías de Natalia Iguiñiz producirían así la representación de su propia contradicción, encarnando la contradicción de un sujeto de género femenino atravesado por la clase social, la etnia, etc. Siguiendo a Teresa de Lauretis no se trataría sólo de diferencias y divisiones entre mujeres sino, también, y con la misma importancia, de diferencias y divisiones en la misma mujer; es decir, que surgen como efecto de diferencias y divisiones en la subjetividad de cada mujer. Para Lauretis, el sujeto del feminismo está al mismo tiempo dentro y fuera de la ideología del género y es consciente de ello, es consciente de esta doble tensión, de esta división y de su doble visión, que busca su lugar entre las fisuras y grietas de los aparatos de poder y saber, buscando de alguna forma aquello que la

representación normativa excluye o convierte en irrepresentable.
Iguiñiz ha colaborado también como cartelista con el sindicato de trabajadoras domésticas del Perú.

[1] Declaraciones de Natalia Iguiñiz en Carmen Vallejos, “De entrecasa” Página 12, Argentina, 18 de agosto de 2006

La escritora peruana Rocío Silva vincula también el maltrato a las trabajadoras con la institucionalización privada del racismo y alude a cómo la práctica del servilismo como mecanismo de supervivencia de sectores sociales pobres permite no sólo el clientelaje político de gobiernos populistas, sino también la preservación de situaciones degradantes. En sus palabras, en una sociedad terriblemente injusta como la peruana, la discriminación y la segregación se aprenden desde la cuna: el racismo y la exclusión quedan naturalizados. Su reportaje “Se necesita muchacha” en la revista peruana Ideele, nº 180, marzo 2007, da cuenta de esta situación en la que el abuso se conjuga con la explotación infantil y recoge también las alternativas propuestas por trabajadoras domésticas organizadas en sindicatos de trabajadoras del hogar y otras asociaciones.

Dependencias mutuas (3) Martha Rosler

2011-04-10T23:28:00.000+02:00

Serie de 12 tarjetas postales. Reproducción digital de postales originales. Cortesía de la artista.

Ha sido un sueño que una pionera como Rosler, en activo desde los años sesenta y protagonista del encuentro entre arte y feminismo en la década de los setenta, haya accedido generosamente a participar en esta muestra. Por el honor que supone su presencia y porque nos permite realizar un ejercicio de reconocimiento de genealogía de autoría femenina en las prácticas artísticas. Tijuana Maid forma parte de la trilogía Service. A Trilogy on colonization. El trabajo responde formalmente a los parámetros de lo que se conoce como Arte Postal -una práctica que se remonta a los años sesenta y al entorno de Fluxus y que busca situar su intervención en el seno de los procesos comunicativos-. Rosler da a este trabajo el nombre de novela postal, que consiste en una serie de tarjetas postales escritas por una trabajadora doméstica.

En las tarjetas, textos escritos en castellano y en primera persona describen y detallan las condiciones de trabajo de una empleada doméstica de Tijuana que trabaja al otro lado de la frontera, en San Diego -las largas jornadas, el bajo salario, los abusos, etc.[1].

Antes de esta obra, Rosler había realizado A Budding Gourmet (1973), sobre una mujer deseosa de convertirse en una gourmet como parte de sus esfuerzos por elevar la posición de su familia, MC TowersMaid (1974), sobre una trabajadora de un establecimiento de comida rápida y, en 1977 realizaría la cuarta de estas novelas postales, A New-Found Career. Inicialmente enviada sólo a mujeres, trataba sobre una mujer que realizaba la transición del trabajo no remunerado a la profesionalización en el mundo del arte.

El empleo de las postales por parte de Rosler apunta a su deseo de superar los límites del público privilegiado del arte de élite y llegar a una audiencia más amplia. En su serie de tarjetas navideñas From Our House to your House (1974-1978) añadirá imágenes al texto. Estas obras con postales fueron decisivas en la trayectoria de Martha Rosler. Por su distribución y porque en el caso de las novelas postales era fundamental el factor tiempo, ya que se trataba de auténticas novelas por entregas (Tijuana Maid consta de doce postales) que abrían las posibilidades de comunicación e intercambio entre remitente y destinatarios/as[2].

[1] La referencia es de Elo Vega, Migraciones, fronteras y género en las prácticas artísticas contemporáneas: Performing the border y la obra de Ursula Biemann. Facultad de Bellas Artes Universidad de Castilla – La Mancha. 2009. Tesina sin publicar.

[2] Martha Rosler, Posiciones en el mundo real. Barcelona, MACBA, 1999, p. 96-97.

Martha Rosler, Tijuana Maid y Territorio Doméstico, Se acabó la esclavitud!

Fotografías: Pepe Domínguez y Paula Gonzalo.

Dependencias Mutuas (2) Eulàlia Valldosera

2011-04-02T10:43:00.002+02:00

DEPENDENCIA MUTUA (2010)

Vídeo-acción (6’). Vídeo documental (4’40’’).

A mí nadie me ha hecho un contrato.

Escuchamos esta declaración de boca de Liuba, la protagonista de los dos vídeos que Valldosera presenta. Si bien Liuba está aludiendo a su trabajo como empleada de hogar, la artista asume la frase como experiencia propia. Como Valldosera explica en el texto escrito por ella para la reciente exhibición de su obra en la galería La Fábrica de Madrid, no está tratando de hacer hablar al sujeto subalterno, sino sintonizando con esta mujer en aquello que es común a ambas. Pero leamos a la propia artista presentando la vídeo-performance principal:

Pedí a la trabajadora doméstica de mi galerista napolitana que actuara en mi lugar. De origen ucraniano, como muchas de las chicas que limpian las casas de las clases adineradas del sur de Italia, esta mujer “sin papeles”, convertida en el álter ego de la artista, se dispone a limpiar la estatua de un emperador romano custodiada en el Museo Arqueológico Napolitano. La soberbia figura masculina se somete a los gestos mecánicos de alguien sin voz. A medida que avanza la acción, los fantasmas de la libido femenina afloran gracias al osado tratamiento lumínico a que someto tan anodina acción.

En una imagen fuertemente verticalizada (la grabación ha sido realizada con la cámara en vertical y es proyectada también verticalmente), asistimos al cuerpo a cuerpo entre la mujer migrante y el símbolo del poder. La relación entre ambos es ambigua y se abre a las interpretaciones. Lo que estamos viendo ¿es sólo una práctica de sumisión o es también la puesta en acción de un complejo juego de interdependencias? Encarnación viva contra mármol inerte, Liuba es la única que puede tocar íntegramente al emperador, que sabe, literalmente, que el emperador está desnudo o, lo que es lo mismo, que depende de ella para su correcta conservación. Poniendo en juego su cuerpo (en el trabajo y en la migración son los cuerpos los que están en juego), Liuba nos da la oportunidad de repensar de forma diferente las relaciones de poder.

La limpieza: es un tema recurrente en la trayectoria de Eulàlia Valldosera, desde que en El ombligo del mundo (1991) decide cambiar “el pincel por la escoba”, actuando con una escoba sobre un manto de colillas con las que construía y borraba figuras femeninas. El acto de limpiar, o los envases de productos de limpieza en otros de sus trabajos, aluden a la actitud profundamente crítica con la que Valldosera revisa los mandatos adjudicados a lo femenino. Mostrar públicamente aquello que los poderes quieren dejar en la esfera de lo privado. Con Dependencia Mutua la artista borra los límites no sólo entre lo privado y lo político, sino que se extiende al terreno de lo social y lo transnacional.

El feminismo: Valldosera es consciente también de su relación crítica y ambigua con el feminismo. No entra en su lógica el adherirse a él desde el lugar de la reivindicación colectiva, sino que se sitúa más bien en la problematización del propio feminismo y en la politización de cuestiones subjetivas igualmente importantes. Desde ese lugar es significativa su designación, refiriéndose al museo y a la institución arte, de quienes trabajan en ella como cuidadores: todos los encargados de mantener viva y actualizar la memoria de nuestro imaginario visual están dentro de una categoría de roles maternos, según la autora. Esta conceptualización de lo materno no tendría que ver, entonces, ni con lo biológico ni con lo instintivo, sino con una tarea cultural, social y simbólica de mantenimiento de la vida, de los saberes, de la cultura: el cuidado del mundo que habitamos como necesidad primordial que ha de ser llevada a cabo por todos. La artista ha situado el origen de esta pieza en su preocupación por la conservación de su obra, articulada principalmente a partir de lo efímero y compuesta por materiales de la vida cotidiana -envases de productos de limpieza, medicinas, luz de proyectores o de estufas caseras…- en el ámbito de los museos, el cual no termina de asumir que este tipo de trabajos necesitan un cuidado diferente al de los materiales clásicos del arte.

La pieza central va acompañada de un segundo vídeo de tipo documental en el que Liuba, nacida en Chernobil, narra su proceso migratorio. La escuchamos, es un sujeto con voz que se hace cargo de su voluntad de cambio enfocada hacia una mejora de sus condiciones, que asume el riesgo de la precariedad y de la vulnerabilidad de su situación como modo de hacerse dueña de sus decisiones. La empleadora de Liuba -y galerista en Nápoles de Eulàlia Valldosera- no aparece, aunque se la menciona explicitando la relación de dependencia mutua que mantiene con su empleada: la mujer emancipada necesita los servicios de la subalterna para ejercer su labor. Valldosera sí aparece en la escena, habla, pero escuchamos a Liuba; su presencia alude a la ambigüedad del papel de la artista: es la limpiadora y, al mismo tiempo, su señora.
Fotografías: Carmen García y Pepe Domínguez

XIV Muestra Internacional de Cine realizado por mujeres

2011-03-27T19:46:00.000+02:00

XIV Muestra Internacional de Cine realizado por mujeres

Un año más damos noticia desde este blog de la estupenda Muestra de Cine que un grupito de mujeres organiza cada año. Nuestro agradecimiento de nuevo por el buen trabajo realizado.

Dependencias Mutuas. Empleadas de hogar y crisis de los cuidados

2011-03-04T00:45:00.001+01:00

Se ha inaugurado esta exposición en la que he estado trabajando desde hace meses. Se trata de una colectiva en la que participan Martha Rosler, Eulàlia Valldosera, Daniela Ortiz, Natalia Íguiñiz, Elena Fraj, Louisa Holecz y Territorio Doméstico. Podéis verla en la Sala Juana Francés de la Casa de la Mujer de Zaragoza hasta el 27 de abril. Forma parte de la XIV Muestra Internacional de Cine realizado por Mujeres y es fruto de una colaboración entre el SIEM, Odeonia y la Casa de la Mujer.

Dependencia Mutua de Eulàlia Valldosera y Home de Louisa Holecz. Fotografía: Paula Gonzalo

Se inspira en un interés largo tiempo compartido entre feministas por conceptualizar la crisis global que habitamos como crisis de los cuidados, de las personas y del planeta, y por encontrar referentes culturales acerca de cuáles son los nuevos sujetos del feminismo; hace tiempo que ya no nos sirve el modelo del feminismo blanco de clase media: las mujeres vivimos muy diferentes situaciones. Abordarlas en su complejidad y detenernos en las contradicciones que plantean nos devuelve a la función fundamental del arte como cuestionador crítico de la realidad.

La han inspirado también las jornadas feministas estatales de Granada de diciembre de 2009, donde pudimos escuchar, entre otras, a Amaia Pérez Orozco en el campo de la economía (quien por cierto estará el próximo jueves 10 de marzo en el centro Joaquín Roncal hablando sobre las cadenas Globales de Cuidados, invitada por el SIEM) o Carmen Gregorio en el de las migraciones.

Muestra un conjunto de trabajos seleccionados atendiendo a una apuesta urgente insertada en el feminismo actual: Poner los cuidados, y no los mercados, en el centro de los análisis sociales, políticos y económicos: un ejercicio de subversión que movería quizás demasiados cimientos. Su título, extraído del trabajo de Eulàlia Valldosera y pasado al plural, cuestiona los límites conceptuales entre autonomía y dependencia, lo público y lo privado, el trabajo y la vida, el egoísmo y el altruismo, lo económico y lo no económico, lo material y lo inmaterial.

Llamamos cuidados a una amplia gama de procesos necesarios para la sostenibilidad de la vida humana, muchos de ellos altamente especializados. Son imprescindibles pero la sociedad en su conjunto no los valora ni se responsabiliza de ellos. Mientras son obviados por sus mayores beneficiarios -los hombres, las empresas y el estado-, las mujeres siguen mayoritariamente haciéndose cargo de ellos, organizando una transferencia de los mismos hacia otras mujeres: dentro de la familia, siguiendo un eje generacional, o externalizándolos de forma privada.

Home de L. Holecz y 97 empleadas domésticas de Daniela Ortiz. Fotografía: Carmen García.

Dependencias Mutuas alude a ese complejo entramado de interdependencias:

Entre el patriarcado y las mujeres, y entre los hombres y las mujeres.

Entre unas mujeres y otras, según ejes de poder de clase, etnia, lugar de origen.

Entre la institución arte y las artistas, que hacen “el trabajo sucio” y son las peor pagadas en muchas ocasiones: la artista como “chica de la limpieza”.

Entre el feminismo y las prácticas artísticas y políticas que esta muestra recoge.

Esto es sólo la introducción. Os la voy a ir contando por capítulos. Mil gracias a las artistas, a las activistas y a tod@s los que habéis colaborado de diferentes maneras.

Amas de casa

2011-02-20T21:34:00.000+01:00

Las amas de casa actuales.

Llevo un tiempo dándole vueltas a la figura contemporánea del ama de casa. Desde que La mística de la feminidad colocó a millones de mujeres norteamericanas frente a sus propias vidas, las amas de casa han vivido cambios interesantísimos, tanto desde el punto de vista social como simbólico. Vamos a mirarlas, vamos a mirarnos un poco más de cerca, ¿quiénes son ahora las amas de casa?, ¿continúa la mística entre nosotras?, ¿ha habido realmente una revolución entre el concepto que tenían nuestras abuelas y nuestras madres del hogar y nosotras mismas?

Virginia Woolf nos sacó de la cocina y nos dijo que toda mujer creadora necesita una mínima independencia económica y una habitación propia. ¿Hemos conseguido esa habitación? ¿La hemos transformado? ¿Qué sigue pasando en la cocina?

No tenemos todas las respuestas claro, pero vamos a intentar hacer madeja con estos hilos.

Una de nuestras primeras figuras femeninas, perfecta ama de casa es Blancanieves de Disney, a nuestra infancia va dedicada la canción que acompaña a esta entrada.

FEBRERO FEMINISTA

2011-02-03T10:57:00.001+01:00

Pleno de actividades hasta el 8 de marzo. Consulta el prrrecioso blog que han creado para su difusión. Felicidades a las organizadoras por tan estupendo programa!

Este sábado, inauguración en La Vía Láctea: Ambiguateke y Peloparty!!! Con Dones Llop, Deshabilladas, cabaret y video de presentación de las jornadas: "Mi koño manda". Esto promete, como véis.

Otro dibujo de Patricia

2011-01-20T10:52:00.000+01:00

De nuevo Patricia Álvarez. Para llevar el año con mucha energía!

FELIZ 2011

2010-12-31T11:16:00.001+01:00

Os lo deseamos con este dibujo que nuestra amiga Patricia Álvarez nos regaló en una estupenda cena de amigas piratas en la que cruzamos de Bolivia a Inglaterra pasando por los vinos de la Rioja, los dulces sorianos y los chocolates vascos, todo con palillos chinos. Los temas de conversación variaron de historias de miedo en monasterios de monjas a los efectos colaterales de la conferencia de mujeres de Beijing... enfín, un gusto.
VIVAN LAS AMIGAS y buen comienzo de año!

Colette, Chéri

2010-12-07T21:21:00.001+01:00

Colette, Chéri (1920), Ed. DeBolsillo, 2010

En 1920 Colette escribe una de sus mejores novelas, Chéri. La protagonista, Léa de Lonval, es una de las grandes per-versiones de Colette: una famosa cortesana es la mujer elegida por la autora para representar a la nueva mujer que la bélle epóque y los alegres años 20 querían mostrar.

Pero su atrevimiento no para ahí. La novela narra los amores de la madura Léa con un jovencito que pertenece a su mundo, ya que es hijo de otra famosa prostituta de época. Los amores de Léa y Chéri son complicados y atractivos pues en ellos mezcla la autora, como si de un filtro amoroso se tratara, la mas primaria pasión de amantes, con una relación de poder trastocada, más un toque materno-filial, con el ingrediente escandaloso de la diferencia de edad a favor de Chéri, claro. Todo ello convierte a la novela en un ensayo sobre las relaciones amorosas sin que por eso falte el humor, la anécdota y la trama que hacen de Chéri una novela muy entretenida.

Léa no es una mujer defendible para el feminismo, no es un modelo. ¡Sin embargo sigue siendo tan atractiva, tan contemporánea! Colette inventa Chéri para entrar en tabúes establecidos y los pone encima de la mesa para volver a pensar en los prejuicios que siguen dentro de nosotras, heredados de nuestras tatarabuelas: la diferencia de edad cuando es ella la mayor, el miedo a la confianza total en una relación, los amores que no se plantean el futuro, lo erótico que puede resultar una actitud maternal, qué quiere una mujer cerca de la menopausia y qué quiere un joven cuando se fija en una mujer madura, qué importancia tiene la belleza...

Ella entra sin tapujos, a cara descubierta, y nos cuenta los amores de Léa y Chéri. La de Frears, es una elegante versión de la novela.

La identidad femenina es un proceso y la escritura de mujeres nos involucra en este proceso en el que la escritora busca intentar definirse a base de la experiencia de crear arte.

Judith K. Gardiner

Adrienne Rich, Nacemos de mujer

2010-11-28T21:08:00.000+01:00

Adrienne Rich, Nacemos de mujer. La maternidad como experiencia e institución. Cátedra Feminismos 1996.

Feminista pionera e interesantísima Adrienne Rich, como teórica y como poeta. En este libro, que escribe en los setenta pero revisa en 1986 incluyendo una introducción actualizadora, encuentro cuestiones que me resultan completamente útiles para pensar ahora mismo, y además desbrozadas con claridad por la escritura de Rich, que aúna teoría con experiencia encarnando inteligentemente la premisa feminista: lo personal es político. Nacemos de mujer como forma de recordar la necesidad de construir genealogía femenina ,la maternidad como institución política patriarcal, que pretende mantener a las mujeres bajo control extendiendo estereotipos sobre la maternidad como un hecho unívoco e incondicional, frente a la maternidad como experiencia que genera sentimientos encontrados y opuestos, como todas las demás relaciones humanas.

Me interesa su perspectiva siempre política y colectiva, reproduzco aquí un párrafo suyo en el que cita, además, un poema de su amiga Audre Lorde:

Nacemos de Mujer fue alabado y atacado por lo que fue considerado su extraño enfoque: testimonio personal mezclado con investigación, y teoría derivada de ambos. Pero este enfoque nunca me pareció extraño, mientras escribía. Lo que todavía parece extraño es el “autor ausente”, la autora que asienta especulaciones, teorías, hechos y fantasías sin ninguna base personal. Por otra parte, recientemente he sentido que la tesis del movimiento de liberación femenina de fines de los ‘60 de que “lo personal es político” (tesis que ayudó a dar origen a este libro) está siendo cubierta por un borroneo New Age de lo-personal-por-lo-personal-mismo, como si “lo personal es bueno” se hubiera convertido en el corolario, olvidando la tesis. Audre Lorde pregunta en un poema reciente:

“Qué queremos unas de otras después de haber contado nuestras historias

Queremos ser curadas queremos una musgosa calma que crezca sobre nuestras cicatrices queremos la hermana todopoderosa que no asuste

que hará que el dolor se vaya que el pasado no sea así"

La pregunta de qué queremos más allá de un “espacio seguro” es crucial en lo que respecta a las diferencias entre el relato individualista sin lugar donde ir, y un movimiento colectivo que dé poder a las mujeres.

Audre Lorde, Meridel Lesueur y Adrienne Rich

Alison Bechdel, Fun Home

2010-11-14T20:31:00.002+01:00

Alison Bechdel, Fun Home, Mondadori, Barcelona, 2008, 232 pp.

"Una familia tragicómica" es el subtitulo que elige Bechdel para contarse su pasado y, de paso, hacer un cómic diferente a lo que había estado haciendo hasta el momento.

Y así, Fun Home nos lleva a una casa victoriana con un complicadísimo padre y una incomprendida madre. Desde el primer momento la historia de Bechdel interesa, tal vez no tanto por los dibujos, que no terminan de emocionar en ningún momento, pero la historia tiene la inteligencia de estar contada con la suficiente verosimilitud, sinceridad, nivel y sentimientos que se esperan de una buena narración.

Alison Bechdel analiza, a veces disecciona, la figura del padre y su relación con él, para entenderse tanto en sus opciones amorosas y sexuales como en sus opciones intelectuales. La difícil figura paterna se irá poco a poco dibujando a lo largo del libro para ir, en cierta forma, generando paralelismos entre las opciones paternas y las de la autora.

Bechdel es una de las figuras actuales más conocidas del lesbianismo activo de Estados Unidos y su cómic ha sido galardonado con diferentes premios desde su edición. La cantante k.d.lang me recuerda su estética andrógina y provocadora.

LA HISTORIA DE AMOR DEL SIGLO. Embocadura sobre un texto de Märta Tikkanen.

2010-11-10T00:43:00.003+01:00

Urgentemente debo recomendaros que vayáis al Teatro del Mercado, hasta el domingo 14 de noviembre, a ver la función La historia de amor del siglo, presentada por Embocadura sobre el poemario del mismo nombre de la escritora finesa Märta Tikkanen. Dirigida por Mariano Anós y limpiamente interpretada por la estupenda actriz Ana García, que desgrana los poderosos versos escritos en los setenta por Tikkanen para explicarse la desestabilización terrible que el alcoholismo de su marido llevó a su vida y a las de sus cuatro hijos. La lucidez del texto es reflejada maravillosamente por la sobria puesta en escena y la luminosa actuación de Ana García. La desesperación del amor perdido, el sufrimiento y el miedo de los hijos, la escritura, el pasado -la madre y la abuela de la protagonista- y el futuro de esos mismo hijos. La alusión a la situación compartida con tantas otras mujeres, y la complicidad con ellas para salir adelante. Todo ello en un lenguaje directo y cotidiano que disecciona la raíz de los acontecimientos hasta que la impenetrabilidad de las palabras se hace transparente, como escribe la propia Tikkanen.

Embocadura presenta también una unidad didáctica y, en paralelo, Libros del Innombrable ha reeditado el poemario, que anteriormente había publicado Hiperión y se encontraba descatalogado. Es difícil elegir un poema, os dejo con este.

ME CUENTAS

Lo de que te quedabas dormido junto a la puerta

ya dentro de casa

apoyando la cabeza sobre el perro muchas noches

lo de que anduviste en bicicleta llorando

el día que se murió tu perro

que el perro significaba más

para ti

que tu padre y tu madre

que siempre andaban borrachos

y que nunca estaban en casa

ni tampoco sabían

qué hacer contigo

Es triste

y lloras

Estoy sentada en una silla frente a ti

y tengo tiempo de pensar en muchas cosas

porque la historia no es corta

y no es la primera ver

que la oigo

tú sigues contando

y yo allí en la silla me pregunto

por qué no dices nada

de las noches en que tus hijos

no se han atrevido a acostarse

sino que han ido a esconderse detrás de la esquina

para vigilarte y así no correr riesgos

papá no habrá empezado a beber

otra vez ¿verdad?

¿cómo está papá?

aquí no huele a coñac ¿verdad?

¿seguro seguro que no habrá bebido

esta noche?

Mientras tú lloras hasta caer dormido

porque hay que tenerte tanta lástima

por eso de haber tenido un padre

alcohólico

yo sigo sentada preguntándome cuándo logrará

mi odio

quemarte y convertirte en

ceniza blanca

mientras tú estás ahí tumbado gimoteando

sin pensar ni por un momento

que tus hijos también tienen

un padre

La red social. Una historia de hombres

2010-10-24T22:15:00.001+02:00

Veo La red social y me atrapa sin remedio y me evidencia que facebook es, una vez más, un asunto de hombres. Creado por hombres (ni una compañera o amiga fue invitada a participar en sus comienzos), el origen de la idea de conectar gente nace por una venganza personal de su creador a una ex-novia. La película muestra cómo un brutal sexismo sigue vivo entre la élite intelectual actual y sus más brillantes representantes carecen de la madurez necesaria para afrontar de forma digna el fracaso de una relación personal.

Las traiciones se suceden a lo largo de la película, pero realmente una de las más escandalosas es la que se toma contra la chica que le hace ver sus carencias. Internet se convierte, con estos usos, en un arma imbatible, ante la que no te puedes defender casi de ningún modo.

La crueldad de la venganza al igual que el éxito de la idea de facebook sobrepasa totalmente a su creador volcando sus propios miedos, sus prejuicios, en juegos que siguen miles de personas.

Me resulta incomprensible el personaje de la novia del amigo-socio. Una de las pocas mujeres que tiene algún papel en la película acaba siendo una psicópata casi peligrosa. Sólo la primera conversación entre el protagonista y su novia me reconcilia con el guionista. Y sin embargo, creo que no es una visión inocente, creo que, sin hacer una clara denuncia, se pretende que veamos cómo la universidad actual sigue plagada de tópicos entre las relaciones, de desigualdad y de machismo que se sigue vertiendo en los grandes inventos del siglo XXI.

Por todo esto recomiendo la película absolutamente, porque es una buena película, porque aprendes un montón de cosas: cómo es el mundo según "una de las mejores universidades" del mundo, cómo se creó fb, cómo se desencadena una enorme bola de nieve económica, legal, comercial que arrolla a sus protagonistas, por qué le dan tanto valor a esta red social, y cómo las carencias de una persona brillante quedan reflejadas en su creación. Y porque si alguien piensa que hoy en día ya no hace falta el feminismo, si se piensa que ya se ha alcanzado la igualdad en el respeto y que por eso no es necesario un ministerio de Igualdad, sólo tiene que ver, por ejemplo, esta película y sabrá que todavía nos falta mucho.

Y en el fondo es una historia de amor que no sale, en la que él se equivoca tanto tanto...

Daniela Ortiz en el día de la Hispanidad

2010-10-12T19:43:00.001+02:00

Trabajo 40 horas semanales en una boutique de dulces españoles de primera calidad. Robo 3 láminas de oro de 24 kilates y un bombón de chocolate de Guanaja el 12 de octubre. Mientras trabajo recubro el bombón con el oro y me lo como celebrando el día de la Hispanidad.

Daniela Ortiz (Cuzco, 1985), quien trabajó en una pastelería de lujo de Barcelona que espolvoreaba con oro sus productos más refinados, actualiza los modos de actuación del arte conceptual. Texto y fotografía parecen describir una acción explícita sin más… sin embargo no es así: la acción nos interpela utilizando el mecanismo de la elipsis, esto es, aquello que no está aquí pero que mantiene una relación directa con lo representado es fundamental a la hora de entender el sentido de esta pieza.

Se produce también una articulación entre las formas de trabajo asalariado, artístico y político en el interior de la misma actividad ¿cómo producir política desde lo artístico? ¿cómo deslizar la práctica artística en el trabajo asalariado? ¿cómo…?

Podéis leer sobre todo esto y mucho más en el estupendo texto que Marcelo Expósito ha escrito para la última publicación de Daniela, y ver el trabajo de esta artista la próxima primavera en Zaragoza… pero de eso ya os informaremos oportunamente (!)

Russian Red

2010-10-02T12:50:00.004+02:00

Tenemos a Miss.Ontherocks de Firma invitada con una cantante, Russian Red. ¡Bienvenida de nuevo!

Me encantan sus gafas. Y su barra de labios.

Y su voz, que tan pronto acaricia como desgarra, los rasgueos de su guitarra que te inducen a esconderte entre las sábanas y a cerrar las persianas, a no dejar la música salir ni a la realidad entrar. Pero que también animan a asomar medio cuerpo por encima de la barandilla, a reír sin control y a mecerte en el compás de la nouvelle vague que ha regresado en forma de tsunami silencioso en el cuerpo de esta joven madrileña (porque sí, aunque suene increíble es española) y revoluciona mi visión sobre el folk y la música actual.

Pocas veces se ve a una artista desvelarse de esa manera delante de la cámara, como una eterna post-adolescente a la que le encanta que le hagan fotos maquillada y bien mona, pero que no se oculta tras ellas. Que aclara que ya antes le gustaba la ropa retro, y de la que descubrimos pronto sin que haga falta que nos lo diga que hasta es tímida y que no, no pensaba dedicarse a la música. Pero juega con cada verso como si su voz en inglés fuese la de otra persona, coquetea con las notas como si su afinación no tuviese límites, y hace que te den ganas de ponerte a cantar con ella aunque tengas la garganta cansada y rota de anginas.

Lourdes Hernández no se corta a la hora de aclarar que es mortal, y se agradece. Pero su música… bueno, su música esperemos que no lo sea.

βʀight Sʈαʀ. Jane Campion

2010-09-23T21:31:00.002+02:00

βʀight Sʈαʀ de Jane Campion

Es la más reciente película de Jane Campion. Una película de época una película romántica, y lo es, pero como en sus historias anteriores, la directora consigue saltarse las convenciones de los dos géneros y hacer algo diferente. Consigue que haya intimidad con la persona sentada en la butaca porque no sólo pretende enseñarnos una historia también quiere que toquemos las telas que la protagonista cose y viste y que descubramos junto a ella al poeta Keats.

Hay detalles sin fin en esta película que darían para un cine-forum pequeño, de conversación meticulosa y tranquila. De lo mejor: la evolución de ella desde la adolescencia a la juventud, de la dureza a la ternura, de la frivolidad a la sensibilidad más profunda, lo que, a su vez, le permite descubrir tan cerca a un hombre cargado de una imaginación literaria fuera de lo común. Los pasos que da ella por el amor son de gigante al lado de lo que a Keats le transforma el mismo amor.

El juego que sutilmente lanza Campion al comienzo de la historia haciendo entrar en competitividad el arte de la escritura y el arte de la costura es una rivalidad que genera imágenes preciosas. Y no sólo en ese momento, porque la película está llena de momentos de una delicadeza difícil de ver (las mariposas, el grupo de canto masculino a capella es una escena sin mayor importancia y de una belleza inolvidable). Y siempre como los poemas de Keats de fondo.

La película da ganas de oler el brezo y las flores de manzano, de leer a Keats y de volver a verla. Me gustaría que la Muestra de cine de Mujeres la recuperase para poder disfrutar otra vez en silencio de tanta belleza.

MAMUT y las cadenas globales de cuidado

2010-09-12T23:41:00.003+02:00

Mamut, Lukas Moodysson, 2009, presenta a Leo y Ellen, profesionales de éxito que trabajan mucho

y por eso tienen a Gloria, interna filipina que cuida de la hijita de ambos.

Pero Gloria, a su vez, tiene dos hijos que ha dejado en Filipinas al cuidado de su madre.

Un viaje de Leo a Tailandia por motivos laborales completa la red internacional de relaciones que se despliegan en la película.

Nadie está donde quiere estar y tod@s necesitan dar y recibir cuidados y afecto.

Las cadenas globales de cuidados: el sostenimiento de la vida y la transferencia del trabajo de cuidados en base a ejes de poder: género, etnia, clase social y lugar de procedencia. El género como organizador de los cuidados a nivel transnacional, gracias a la migración femenina. ¿Es sostenible este modelo de liberación y desarrollo?

CINEFORUM: Domingo 19 de septiembre, 20h. La Vía Láctea (C/Doctor Palomar 25, Zaragoza)

WITCH 2.0. Grupo de Debate feminista.

Edith Wharton, La casa de la alegría

2010-09-01T22:01:00.004+02:00

Edith Wharton, La casa de la alegría (1905), Alba, Barcelona, 2008

Es casi tan estúpido permitir que la ropa traicione el conocimiento de la propia realidad

como dejar que proclame la presunción de la propia belleza. p. 110

Cuando se habla de la educación encorsetada que recibieron las mujeres hasta hace apenas 50 años, se suele aludir a las restricciones que conllevaba dicha educación femenina, pero pocas veces se ha intentado hacer ver la condena vital que suponía la dirección de una vida hacia un modelo pensado principalmente para ser un simple objeto valioso.

Fue Edith Wharton una de las escritoras que con más lucidez y osadía supo exponer esta condena en novelas como La casa de la alegría.

No hay que dejarse engañar por las apariencias. Aunque ella, efectivamente, centró su espacio literario en la clase alta neoyorkina, no sólo quiso hacer una descripción de un mundo que conocía muy bien y, desde luego, no escribía para esa clase social. La casa de la alegría es demoledora y en ella no hay ningún resquicio para la esperanza. No podía haberlo porque la tesis que plantea no tenía salida: “Tendencias heredadas se habían unido a una precoz educación para convertirla en el producto altamente especializado que era en realidad: un organismo tan indefenso fuera de su reducido territorio como la anémona de mar arrancada de la roca. La habían formado para adornar y deleitar ; ¿para qué otro fin redondea la naturaleza los pétalos de la rosa y pinta el pecho del colibrí?”(pp. 349-350).

Ésta es la hermosa de Lily Bart, la trágica protagonista de una historia de denuncia casi gritada, envuelta en lazos de aparente elegancia y finura pero de una ironía tan aguda que hiere como un estilete: “…el círculo del señor y la señora Wetherall era tan amplio que Dios figuraba en su lista de visitas” (p. 68). Acuciada por una posible aunque improbable pobreza (con la fealdad, suciedad y mediocridad que ésta conlleva) la protagonista se adentra en una espiral de equívocos provocados en gran parte por su condición de mujer soltera, lo que le permite a la autora mostrar cómo la condición social de principios del siglo XX estaba encerrada en unas normas sociales tan ajustadas, tan oprimentes, tan injustas con todas las mujeres que no les daba ninguna salida y romper “esa campana de cristal” implica la destrucción de su propio personaje. Años más tarde Sylvia Plath llegaría a la misma conclusión.

La elección de Mahler no es casual. Algo del dolor por la imposibilidad de poder alcanzar la belleza y la perfección que tan bien supo reflejar Visconti sobre la novela de Thomas Mann La muerte en Venecia (1912), está ya en La casa de la alegría (1905).

La mística de la feminidad (en verano)

2010-08-21T20:38:00.000+02:00

Desde que decidí que no pasaba de este verano, que no podía retrasar más la lectura completa de La mística de la feminidad de Betty Friedan (edición de Júcar, 1974), me llegan noticias e historias que tienen que ver con ese momento y con ese pensamiento, como el corto de Isabel Coixet.

Pero si lees el libro y a la vez que vas viendo Mad men, realmente acabas creyendo que ese pensamiento no ha muerto, uffff!!!

El libro, estupendo. La serie también.

CELIA, de Elena Fortún

2010-08-10T18:09:00.001+02:00

Nuestra más joven Firma Invitada por el momento: Lola Moreno, con tan sólo 8 años, nos habla de las aventuras de Celia.

Celia es un personaje creado por Elena Fortún en 1929. Se trata de una niña de 7 años con mucha imaginación. No le gustan demasiado los mayores porque cree que no la entienden, y además hace muchas travesuras!

En 1993 José Luis Borau realizó seis capítulos de la serie de televisión “Celia”. La guionista fue Carmen Martín Gaite.

Una de las aventuras que más me gusta es cuando Celia se disfraza de hada, y también cuando mete en líos a su hermano pequeño, Cuchifritín.

Os lo recomiendo para vuestros hijos e hijas.

Lola Moreno.

LA VIRGEN BARBIE

2010-08-05T17:55:00.004+02:00

Rebeldía feminista en el Reina Sofía

Es uno de los videos que María Galindo, de Mujeres Creando de Bolivia, ha realizado para la exposición Principio Potosí. ¿Cómo podemos cantar el canto del Señor en tierra ajena? que tiene lugar en el Reina Sofía hasta el 6 de septiembre. La Virgen Barbie centrifuga la tradición católica mariana con resultados transgresores.

Un grupo de mujeres indígenas transporta a hombros sobre unas andas a una mujer blanca vestida de Virgen barroca. La tela de su vestido está estampada con princesas de Disney, y adornada con montones de muñecas Barbies ensartadas. La procesión recorre las calles y se detiene en lo alto de un cerro desde el que se divisa una impresionante vista de La Paz. Ahí la Virgen Barbie comienza su discurso:

Ya no quiero ser la Virgen Barbie. Ya no quiero ser la patrona del racismo ni la protectora del capitalismo. No quiero ser la Virgen Barbie. No quiero enseñar a las niñas a odiar sus cuerpos morenos[1]…

Tras la negación del canon previsto para las mujeres occidentales, pasa a la proposición: No quiero ser yo. Quiero ser otra distinta. Alegre, amiga, defectuosa, imperfecta y amante…

Y a continuación el canto a la mezcla, al mestizaje, y la heterogeneidad como potencias políticas transformadoras, en el que resuenan ecos de escritoras y activistas feministas americanas como Gloria Anzaldúa o Cherrie Moraga. La impureza y la multiplicidad son amenazas a la ficción imperialista desde la que se ha construido el discurso del poder. Pero amenazan también la ficción indigenista con la que Galindo es crítica en Bolivia.

Que detrás de mi el capitalismo se derrumbe y pierda hasta los dioses y las vírgenes que lo sustentan. Que detrás de mi se desmorone el racismo y el color blanco que lo sustenta. Que los úteros de las mujeres blancas puedan parir hijas morenas. Que las morenas tengan hijos rubios. Y que el amor y el placer nos mezcle y nos mezcle y nos mezcle. Hasta diluir todas las estirpes de nobles , de patrones y de dueños del mundo…

La Virgen desciende de las andas y se desnuda. Su cuerpo se ve lacerado, insultado y humillado por el patriarcado. A pesar de ser el modelo de mujer sancionado por el poder, o precisamente por eso, porque no existen las mujeres libres y felices bajo el machismo, aunque sean blancas y rubias. La protagonista es ataviada por sus nuevas compañeras al modo tradicional boliviano y, acto seguido, lava los pies de todas ellas[2].

Una de las características de los distintos trabajos de María Galindo es la posibilidad de sentido y de descodificación que ofrecen a cualquiera que los ve, combinada eficazmente con tal riqueza simbólica que cuantas más cosas sabes, más aspectos puedes interpretar. De forma igualmente certera combina la denuncia política directa con la poesía, seduciendo y dejando una estimulante sensación de belleza sublevada. Galindo se reapropia de la imaginería patriarcal para subvertir activamente los modos establecidos de representación y de expresión falogocéntricas de la experiencia de las mujeres, que tienden a reducirlas a la irrepresentabilidad. La Virgen Barbie materializa en su cuerpo un proceso activo de devenir como condición y posibilidad de una visión alternativa de su subjetividad y su sexualidad.

También en Europa autoras feministas como Luce Irigaray o Rosi Braidotti han escrito sobre la necesidad de símbolos para las mujeres. Irigaray propone una estrategia de mímesis: mimetizar las imágenes y representaciones que han sido asignadas a lo femenino por el pensamiento patriarcal pero únicamente para deshacerlas.

No quiero ser la madre de dios, de ese dios blanco civilizado y conquistador. Que dios se quede huérfano sin madre ni virgen. Que se queden vacíos los altares. Y los púlpitos. Yo dejo este altar mío. Lo abandono por decisión libre. Me voy, lo dejo vacío. Quiero vivir, sanarme de todo racismo, de toda condena, de toda dominación. Quiero sanarme yo misma y ser una mujer simple. Ser como la música que solo sirve para alegrar los corazones. He descubierto que para ser feliz sólo hay que renunciar a tus privilegios, a tus virtudes y perfecciones. Proclamo la inutilidad de los privilegios. La tristeza de los altares. La muerte del capitalismo.

[1] Los fragmentos en cursiva son de María Galindo y pertenecen al discurso de la Virgen Barbie.

[2] Galindo realizó en La Paz esta acción de lavar los pies a las mujeres del movimiento de deudoras estafadas por la política de microcréditos que llegaban a la capital tras una marcha de días, acción por la cual fue apaleada.

Agua entre los dedos, de Pilar Laura Mateo

2010-07-28T18:07:00.001+02:00

Pilar Laura Mateo recibió esta primavera el IV Premio Insula del Ebro 2009 por su novela Agua entre los dedos. Cuenta el proceso de liberación, o de libertad, de su protagonista, Elvira, cuya vida transcurre ligada emocionalmente a un río. Os la recomiendo como lectura veraniega. Porque es entretenida, con varias voces alternas que reconstruyen la acción y la intriga y, a la vez, está plagada de reflexiones finas e inteligentes.

Algunas de las cuestiones que más me han interesado:

- La protagonista es una transgresora, no se acomoda a las normas sociales. Su búsqueda de libertad va unida a la indagación sobre la verdad, y el precio a pagar por su desobediencia es caro, la subversión no es (nunca) gratis pero merece la pena.

-La maternidad, el cuidado de la vida o su ausencia, como elemento articulador significativo entre distintos personajes: la relación madre-hija, el embarazo, la relación adolescente-padres… y la narración final de un parto como broche abierto de la novela.

-El tacto y el agua: desde el mismo título, Agua entre los dedos, pasando por todo el desarrollo de la relación física, sensual, visceral, anfibia, con el río, hasta los nombres de los capítulos – Agua Corriente, Agua Subterránea, Agua de lluvia, Agua Estancada y Agua Oxigenada- me traen a la mente el imaginario vinculado a lo táctil (frente a lo visual) y a la fluidez (frente a la rigidez) que Luce Irigaray despliega para referirse la sexualidad femenina.

“Infiel. Historias de transgresión” de Joyce Carol Oates (2)

2010-07-19T16:12:00.002+02:00

Seguimos con la segunda entrega de nuestra última firma invitada, Pilar Laura Mateo, que nos ha regalado una espléndida critica de este libro de relatos.

Esta fotografía, como la de la portada de Infiel, es de Nan Goldin

De todos los cuentos del volumen, (la elección ha resultado francamente difícil), comentaré brevemente dos que en el fondo abordan el mismo tema: la violencia de género y su impunidad en nuestra sociedad. Ambos están contados por un narrador testigo cuya implicación en los hechos es emocional en un caso, y racional estética en el otro. El primero, Infiel, da título al libro, y el segundo, La novia del instituto, es uno de los cuentos finales.

En Infiel, el intachable pasado de un anciano, un luterano estricto a quien su mujer abandonó por un amante, se convierte de pronto en un pantano que oculta más de un secreto inconfesable. Todo el trauma del abandono vivido en la familia se revelará, muchos años después, como una desdicha para la nieta, que llegará a saber, y tendrá que callar, lo que nunca supo su madre.

Es precisamente la nieta, (la generación inocente, o quizá no tanto) la que nos narra la historia, ya que la mujer desaparecida (su abuela) queda expulsada de la familia para siempre y privada de la capacidad de contar su historia. Esta narradora, implicada emocionalmente con la historia que cuenta, pero que no la ha vivido directamente, nos facilita una visión poliédrica de los hechos que el lector debe interpretar. Sus palabras tienen la capacidad de aunar la versión oficial, es decir, la del abuelo ya fallecido, la de sus dos hijas, resentidas con su madre, y amedrentadas por un abandono que las dejó en un territorio hostil, y la suya propia, la de una tercera generación que traduce desde otra perspectiva las narraciones de su madre y su tía para completar una historia siniestra.

El diálogo que mantienen las dos hermanas, tanto de niñas como de adultas, planea lleno de carencias a lo largo de todo el relato y es claramente significativo de esa renuncia. Cada una de ellas destruye ritual y silenciosamente las palabras apenas pronunciadas de la otra, acallando así el miedo que sus torpes verbalizaciones pudieran representar en los diferentes momentos que les toca compartir.

A mi modo de ver, en este cuento las figuras femeninas representan cada cual una imagen de mujer en nuestra cultura. Una es la madre primordial, primer objeto de deseo, tanto del padre poderoso como de sus hijas. Las otras, las niñas que abrazan como única alternativa un destino en soledad, un sacrificio que las purificará y las hará más fuertes. Juntas dotan de corporeidad a las concepciones típicas de la feminidad, el afecto truncado, la ternura, el abandono, la necesidad de protección, la renuncia al amor para evitar el daño que este puede acarrear, posiciones que finalmente no les servirán para saber la verdad ni para reconciliarse con su vida.

El otro relato, La novia del instituto, hiela la sangre. Un escritor, impune durante más de 40 años de un asesinato, se atreve a confesar en público el suceso parapetado tras un relato de ficción escrito por él, y que, como en un juego de espejos valleinclanesco, resulta ser un producto estético de primer orden. El circunstancial narrador del relato, del que no sabemos nada salvo la ciega admiración que profesa al escritor, queda prendido de la situación en una especie de identificación hasta que el artefacto le explota en las manos y se pregunta estupefacto qué debe hacer.

En el conjunto de sensaciones caóticas y psicóticas que sufre y narra de manera magistral el propio protagonista, destacan la alienación en la idealidad de la imagen de la mujer, (la imagen que se tiene del cuerpo es más poderosa que el cuerpo mismo), el vértigo de la seducción y la culpa, y la frustración que desata el poder del deseo; un poder que ella (la víctima) tiene sobre él (el verdugo) y frente al cual él no puede rebelarse ni liberarse. La perspectiva de espejismos, incluidos en la paranoica fantasía del protagonista, sólo se resolverá con la mutilación de la carne femenina, que apresa a los pobres mortales en un tormento que va más allá de su razón y su fe.

Así pues, el relato nos propone un arquetipo atrapado en un vacío autista donde la realidad psicológica se impone a la realidad física. En él se funden dos universos, el interior de la mente y el exterior de los sucesos reales, que tienen su correspondencia en las fantasías del fetichismo y la seducción y de la consumación sexual asociada a la violencia y a la pasividad femenina. En este sentido, otro de los aspectos que pone de relieve este relato es la fuerza del narcisismo masculino y la connivencia con éste, traducida en la aquiesciencia o en las reticencias de los otros hombres, ante determinados crímenes como la violación o la violencia contra la mujer.

Prodigiosa: Joyce Carol Oates. Un libro altamente recomendable que hay que digerir despacio.

Pilar Laura Mateo, escritora y experta en coeducación.

“Infiel. Historias de transgresión” de Joyce Carol Oates, o cómo dar verdadera vida a las palabras (I)

2010-07-05T19:24:00.007+02:00

Pilar Laura Mateo, otra de nuestras FIRMAS INVITADAS, nos sugiere una buena lectura para este verano. De su mano y a través de un minucioso análisis, Pilar Laura introduce a nuestro blog en el mundo de la compleja Joyce Carol Oates, en varias entradas hiladas con sensibilidad y agudeza crítica. Os va a gustar, seguro.

Infiel. Historias de transgresión, de Joyce Carol Oates, o cómo dar verdadera vida a las palabras

Mucho se ha hablado del goticismo feminista de Oates, un goticismo de nuevo cuño en el que los espectros y tormentas clásicos son sustituidos por la parte más oscura de los seres humanos: la angustia, la soledad, el amor enfermizo, los miedos irracionales, la depresión, el poder devastador de las pasiones... Con este material, surgido del fondo de las entrañas, esta prodigiosa escritora construye un espacio literario realmente inquietante, que con frecuencia desemboca en un final destructivo y violento. Nada ni nadie puede escapar a la violencia que nos envuelve y que anida en lo más profundo de nuestro ser, parece decir su compleja escritura.

Quizá, por eso, los 21 cuentos recogidos en este volumen son como 21 balas que impactan directamente en la mente y en el corazón de quienes los leen. Y es que estamos ante un libro subversivo, corrosivo y doloroso en la medida en que trata el tema romántico por antonomasia, la pasión y el deseo. Desde una perspectiva tenebrista, se nos muestra con la fuerza del claroscuro cuánto hay de alucinación en el fenómeno de las pasiones y, al mismo tiempo, cuánto tienen éstas de recurso racional. Porque de lo que no cabe duda, leyendo estos cuentos, es que, si las pasiones nos utilizan, también nosotros las utilizamos, en perversa correspondencia, para aparentar que la existencia humana tiene algún sentido en nuestras inestables manos.

Así, los personajes de Oates transitan de los deseos a la pasión desenfrenada, del puritanismo más represivo a la ansiedad por la carne, del sueño a la realidad, casi sin transición. Son seres híbridos, mitad humanos racionales, mitad animales. Sirenas o minotauros. En cualquier caso, híbridos que van del dolor a la crueldad propia o ajena, y que se pierden entre el afán de venganza y el afán de comprender algo del mundo que les rodea. Su encarnadura es tan sensorial y táctil, tan realista y surrealista a la vez como la vida en torno a la que giran. Para ello casi todos los cuentos presentan a una narradora o narrador obligados a revelar el conocimiento de un crimen o un suceso que modificó decisivamente su código de conducta, e incluso su personalidad. De ahí que, en el único acto de afirmación que se les permite, se aferren a su deseo, a sus obsesiones (a su locura) con un punto de soberbia, porque si no, qué les queda.

Por otra parte, como la literatura es un tejido de muchos códigos, las reglas de acción que gobiernan estos relatos, además de situaciones cotidianas perfectamente reconocibles, reflejan un mundo de exclusiones, en el que la pasión es indivisa y en el que es obligatorio tomar partido respecto a la sexualidad, la familia y la pertenencia a una clase social. Pocos son los infractores de esta ley y los que lo son, pagan su precio. Desde este punto de vista, al rastrear la escritura de Oates, salta a la vista en qué grado todos los cuentos son representativos de una tradición literaria feminista, pues, debajo de estas historias, temas e imágenes, van asomando otros donde la escritora se preocupa por radiografiar, codificándolo, el verdadero estado de la mujer en la cultura patriarcal. El silencio, la negación, la huida, la sexualidad sublimada como forma de escapar al vacío, el asesinato sexual, la violencia de género como mal endémico enraizado en lo más profundo de la cultura...

Un espejo roto en 21 trozos, donde lo cotidiano se vuelve singular porque de manera meridiana nos hace ver su extrañeza, su injusticia… En ellos nos damos de bruces con un mundo donde las armas son protagonistas por sí mismas, donde las figuras arquetípicas devienen individuales, y donde algunas verdades son irrecuperables y se pierden para siempre.

La secuencia narrativa desarrollada en estos cuentos también es peculiar, con muchos puntos de contacto y de divergencia entre la temática y la figura narradora, que a menudo sufre un desdoblamiento en dos o más voces. Una estructura aparentemente desordenada y espontánea, una confusión deliberada que imita esa forma de contar que trata de poner en orden la vivencia referida. Esta técnica envolvente cuenta, dentro de su ambigüedad, con un peso tan específico en la narración que a partir de ella podemos desentrañar fácilmente tanto la personalidad como toda la vida del personaje.

(continuará)

Pilar Laura Mateo, escritora y experta en coeducación

Música y Mujeres (6) ANI DI FRANCO

2010-06-27T19:24:00.000+02:00

Última entrega, por ahora, de nuestra intrépida firma invitada, Marirrós:

Esta mujer, quintaesencia de la activista feminista de Estados Unidos, no ha parado de generar discos desde que tenía 18 años (y ahora tiene 40 años y 20 discos) editados en su propia compañía, Righteous Babe Records. La sede de la casa de discos está en Buffalo (Nueva York), en una iglesia metodista restaurada, con sala de conciertos y todo, por si vais por allí . Además produce los de otras artistas. Ha escrito canciones sobre “todos” los temas políticos que se os puedan ocurrir, pacifismo, ecologismo, bisexualidad, la imagen del cuerpo femenino, contra el capitalismo, el racismo, la pobreza, el sexismo, la homofobia, etc., con letras cargadas de honestidad, y en muchos casos autobiográficas. Si os gustan Suzanne Vega y Michelle Shocked os haréis una idea de cómo suena, punk-folk. Ella compone para piano y guitarra, canta, utiliza instrumentos de viento y produce. En algunos casos también ha realizado el diseño del disco.

En la web de la discográfica podéis encontrar lo habitual: información sobre ella y sus discos, el catálogo del resto de artistas, tienda –por supuesto, la tinta de las camisetas que vende es orgánica-, etc. Pero no se queda ahí, sino que ofrece información y enlaces para participar en acciones sobre recursos de comunicación alternativos, el derecho a la salud reproductiva y al aborto, pacifismo, derechos humanos y libertades civiles y el registro como votante. Os pongo un enlace a una página con tooooodas sus letras en inglés y algunas fotos.

Dejamos para otro día la traducción de alguna letra interesante.

Esto es Baveville!

Marirrós Gallego

Música y Mujeres (5) LIDIA DAMUNT/HELLO CUCA

2010-06-21T00:58:00.001+02:00

Marirrós continúa deleitándonos:

Lidia Damunt es la cantante y guitarrista del grupo murciano Hello Cuca, que comenzó a funcionar a finales de los años 90 con un estilo rock/pop/rockabilly, formado por las hermanas Lidia y Mabel Damunt, y el batería Alfonso Melero. Las tres juntas crearon la compañía “Rompepistas”. Han participado en numerosos festivales y, especialmente entregadas a la causa, en el año 2008 colaboraron en el Ladyfest de Madrid o el Festival de Cultura Feminista de San Sebastián. Desde ese año Lidia lleva una carrera en solitario, con otro sello detrás, y como ella misma reconoce “así me hacen más caso”. Tiene una forma de escribir muy peculiar, hablando de sentimientos sin mostrar sus intimidades, con metáforas. Daos una vuelta por sus webs, hay enlaces a otros grupos interesantes y, sobre todo, aprovechad para verlas y escucharlas en directo si no lo habéis hecho todavía.

En el disco recopilatorio de Hello Cuca “Esplendor en la arena. 33 canciones bajo el sol (2009-1997)” hay canciones que seguro que os encantarán como “Hay una fiesta”.

El vídeo que podéis ver aquí es de la canción de Lidia Damunt “Echo a correr” y está realizado por Gabriela Martí. Que sepáis que tiene referencias a grandes cineastas como David Lynch o Ingmar Bergman.

Marirrós Gallego

Música y Mujeres (4) Chicks on Speed

2010-06-10T00:01:00.001+02:00

Y seguimos de la mano de nuestra Firma Invitada Marirrós Gallego. Esta vez con Chicks on Speed. Abrid bien ojos y oídos!

Hablar de este grupo es decir Girrrl Riot. Lo formaron Melissa Logan, Kiki Moorse and Alex Murray-Leslie en 1997, cuando estaban en la escuela de Bellas Artes de Munich. No son sólo un grupo de música, catalogado como electropop o electroclash, sino un grupo de arte multidisciplinar que aplican la ética punk del Hazlotúmisma a la performance, el collage gráfico, la moda. En su sello “Chicks on Speed Records” editan sus discos y los de grupos afines como Le Tigre, Kevin Blechdom, Gustav, Ana da Silva de The Raincoats. Crean la ropa de sus espectáculos, utilizando en ocasiones materiales reciclados y tienen una línea de moda que venden en su web. Abrieron su propio bar de noche el “Seppi Bar” en su ciudad. Kiki Morse ya no está pero ahora el colectivo se ha ampliado con otras seis artistas. Seguro que las habéis visto actuar en Zaragoza. Además de su propia obra, en el año 2006 editaron un triple CD recopilatorio titulado “Girl Monster” de 62 grupos, 62, de grupos de mujeres pop rock con las que han trabajado. Está muy orientado al mundo europeo y anglosajón y las únicas españolas que aparecen ¿quiénes son? Las perras del Infierno. Actualmente Melissa y Alex tienen una exposición en el centro de Arte Contemporáneo de Dundee(en Escocia) titulada “Don’t Art, Fashion, Music” del 5 de junio al 8 de agosto. Si no podéis ir a Escocia, el 17 junio y el 16 julio estarán en Barcelona.

Da gusto verlas.

Marirrós Gallego

Música y Mujeres (3) Qué poderío! Electric Indigo

2010-06-01T00:59:00.001+02:00

Y volvemos a las Firmas Invitadas! Marirrós Gallego nos obsequia con una lujosa selección de creadoras, productoras, editoras alternativas.. que irá presentando en esta y sucesivas entradas. Se lo agradecemos profundamente y le damos paso:

No hay como unas jornadas feministas para ponerse al día. También en música pop y rock, por supuesto. Gracias a las de Granada del año pasado, y pensando en compartir, estuve revolviendo entre mis discos, en Internet y en las tiendas (si, también). ¡Cómo ha cambiado el panorama desde que en Lisístrata preparáramos una tertulia-audición de música hecha por mujeres, por los ya lejanos ochentaitantos, y nos costara encontrar compositoras, grupos de chicas y cintas de cassette para ilustrar la tarde!. Hoy, en todos los estilos y denominaciones de origen se pueden encontrar artistas y canciones maravillosas y combativas, conceptuales, cotidianas, propuestas individuales o colectivas, dentro y fuera de los cauces comerciales. Especialmente fuera de ellos, porque si algo no ha cambiado es que comercialmente se sigue apostando por el modelo sexy-joven-cantantedevozdulce, por separado o todo en una. Por supuesto la excepción son las grandes intérpretes que todo el mundo conoce porque son apabullantes en vida y obra, como Chavela Vargas o Lila Downs. Pero hay otras, mujeres que crean su música y algo más. Algunas han levantado su propia compañía de discos para autoeditarse y promocionar a mujeres como ellas, que comparten una visión más o menos feminista de esto que viene siendo la vida y que, personalmente, me gustan y me hacen sentir estupenda y acompañada, o sólo sentir, que a veces ya es bastante. Está claro que la colaboración y el apoyo mutuo hacen mucho más por el empoderamiento de las mujeres, y además todo es mucho más divertido.

ELECTRIC INDIGO

Es una compositora/productora de música electrónica y Dj vienesa, guapa, guapa, con un sello de discos propio, “Indigo Inc” y que está elaborando desde 1989 una plataforma y base de datos llamada “female:pressure” con el objetivo de visibilizar y difundir la música electrónica hecha por mujeres de todo el planeta, casi nada. Además colabora con artistas visuales, Vj, de impresión, como podréis apreciar en el vídeo que teneis aquí, con Vj azz. Comenzó en el año 1989 como Dj de Jazz, Techno y Funk pero tiene un alma experimental, sobre todo cuando trabaja con Pia Palmer. ¡Ah, qué buena cosecha la de 1965! Ha trabajado en radio y televisión alternativas, entrevistando a invitados del negocio de la música y también ha realizado un programa sobre tecnología de la información, desarrollo de software, innovaciones técnicas y temas relacionados con el código abierto –software libre-. Entrad en sus varias webs, vais a alucinar y a descubrir cosas muy interesantes, incluso si este tipo de música no es vuestro favorito. También colaboran con las siguientes e imprescindibles Chicks on Speed. Pero eso será.... en la próxima entrada!

Marrirós Gallego

Música y Mujeres (2). Sororidad en la ópera

2010-05-23T09:20:00.001+02:00

La Traviata (1853), Giuseppe Verdi, libreto de Francesco Maria Piave

Hay músicas que llegan a la emoción más profunda e íntima y una de ellas es la música de La Traviata. Pocos hombres han sabido reflejar tan bien a través de la música y en el tratamiento de un texto como Giuseppe Verdi la historia amorosa de una mujer que sabe, con dolor, que su vida le lleva a tener que renunciar a cualquier relación personal intensa y sincera con un hombre.

Está claro en la historia de La Traviata que la cantante Giuseppina Strepponi, pareja del compositor durante casi toda su vida, la mayor parte de ella sin estar casados, fue la inductora de la acertada elección del tema, después de ver juntos una representación de La dama de las camelias de Dumas hijo, aunque para el público de la época fue una desagradable sorpresa ver como heroína operística a una cortesana contemporánea que denunciaba la situación de estas mujeres que quedaban desamparadas del todo en cuanto pasaba “su momento”.

Anna Moffo canta "Dite alla giovine"

"Dite alla giovine" es una de las arias más famosas de la traviata. Germont, padre de Alfredo, feliz amante, pide a Violetta que abandone a su hijo esgrimiendo diversas razones. Pero ella no está dispuesta a perder la felicidad que vive por primera y, seguro, por última vez. Hasta que el padre, en su último intento ya desesperado, se sincera: la hermana más joven de Alfredo, una “bella e pura giovine” no puede casarse (se ha roto su enlace) por culpa de esta pecaminosa y contra-social relación. Y la ópera, en este momento, da un giro fundamental hacia la tragedia en un quiebro perfecto de los instrumentos y las voces.

He elegido a Mirella Freni en su representación de Violetta por ser una de las cantantes que mejor representa a la mujer totalmente desesperada que es la protagonista en estos momentos. En un acto de absoluta generosidad hacia otra mujer, “sororidad” se podría decir, hacia la joven a la que ni siquiera conoce, renuncia a la única relación que ha construido desde el amor, la sinceridad, la verdad. La voz de la maravillosa Freni es tan intensa como las emociones que vive la pobre cortesana. Pero su voz se acaba fundiendo con la del barítono que canta a Germont. Si hay que imaginarse el patriarcado, ésta es una de sus más perfectas representaciones, un patriarcado mostrado como aparentemente bondadoso hasta hoy en día (no hay más que comparar la siguiente versión colgada para ver la dureza que desprende la versión más actual), mano de hierro en guante de seda, doblega la voluntad de la mujer para que la sociedad vuelva a ser benevolente con su familia. Y sabe que no es a su hijo a quien tiene que convencer sino a ella.

Violetta, rendida, sólo pide un favor al vencedor: que se lo cuente a la joven, que se transmita su decisión para que esa joven pueda aprender algo de Violetta, para que no caiga en el olvido tanto sacrificio, tanto dolor, para no caer ella misma en el olvido.

              Ah! Dite alla giovine sì bella e pura                     ¡Ah!, diga a esa joven, tan bella y pura

             Ch'avvi una vittima della sventura                        que hay una víctima del infortunio,
             Cui resta un unico                                                    a quien le queda un único
            Raggio di bene                                                         rayo de dicha,

            Che a lei sacrifica e che morrà.                          que lo sacrifica por ella y que morirá.

El libreto no aclara si Germont cumple su palabra contándole no sólo a Alfredo sino también a su hija el sacrificio de la traviata y como todo el mundo sabe, Violetta morirá un acto después sola hasta el último momento, pobre, desesperada y todavía enamorada.

Declaración de amor. Desde hace dos años

2010-05-19T19:19:00.000+02:00

EL DÍA 17 DE ABRIL ESTE BLOG CUMPLIÓ SU SEGUNDO ANIVERSARIO. QUEREMOS

CELEBRARLO CON UNA RENOVACIÓN DE IMAGEN Y BRINDANDO CON UN BUEN VINO.

¡GRACIAS! Nuestro segundo año ha estado marcado, entre otras cosas, por especiales sobre Las Locas, la prostitución, las Jornadas Feministas Estatales de Granada o la artista Susan Frazier. Y la primavera suena fuerte con la Música y las mujeres. Continuamos!

MÚSICA Y MUJERES (1). THE SHAGGS

2010-05-10T23:08:00.001+02:00

Inauguramos un nuevo especial, dedicado a las mujeres en la música, con una firma invitada, Eva San Martín. Mil gracias a Eva y aquí os dejamos con su psicotrónica entrada. A disfrutarla!

The Shaggs fue una banda de mujeres formada en 1968. La leyenda cuenta que este grupo se formó por la predicción de la abuela paterna de estas tres hermanas. La abuela pronosticó: que su hijo Austin se casaría con una rubia, que tendría dos nietos a los que nunca vería y que sus nietas formarían un grupo musical de fama. Así que Austin se casó con una rubia y decidió llevar el pronóstico de su madre a buen término comprando a sus hijas instrumentos para que formaran una banda de rock.

En 1968, Austin metió a sus hijas en un estudio para que grabaran lo que sería su primer disco, Philosophy of the world. Ante la desesperación del equipo técnico grabaron lo que dio lugar a que fueran catalogadas como la peor banda de la historia del rock. Como podréis comprobar, el resultado del disco fue un auténtico desastre. Podéis escuchar la canción que da título a su primer disco, aquí al ladito, a la derecha, en “Ellas cantan”.

A mediados de los 70, las hermanas Wiggins empezaron a grabar otro disco que nunca fue editado. Ahí acabó su carrera musical.

Aquí tendría que acabar esta historia pero no será así porque lo que ocurrió es que el impacto de Philosophy of the World fue contagiándose en ciertos círculos. Desde 1978 y el movimiento punk, The Shaggs han sido las madrinas de todos los movimientos musicales que proponen hacer música desde el desconocimiento más absoluto. Como he leído en un blog, a The Shaggs y a Sonic Youth solo les separa que estos últimos hacen sus desvaríos musicales de forma consciente.

The Shaggs actualmente se consideran uno de los grupos más influyentes de la historia del rock alternativo, y no es para menos cuando el mismo Zappa dijo de ellas: “Son mejores que The Beatles”. Otros fans de este grupo son Jonathan Richman o Kurt Cobain.

Para terminar, también en “Ellas cantan” otra joyita de esta banda de mujeres de Fremont.

Eva San Martín.

Susan Frazier (4). Nurturant Kitchen, Womanhouse

2010-05-02T11:18:00.001+02:00

Susan Frazier (4). Nurturant Kitchen, Womanhouse

RUDAX. Por último, ¿Cómo crees que está el movimiento feminista hoy en día en EEUU? ¿Qué temas son los que más os preocupan?

S.F. He vuelto recientemente a la organización NOW y desde entonces ha habido mucho ruido alrededor de los asuntos políticos relativos a la salud y la igualdad de las mujeres en el trabajo. Ambos temas se habían ido deteriorando desde los 80 y 90 porque las mujeres de entonces (la generación de Betty Friedan), se estaban jubilando dejando a las mujeres jóvenes sin mentoras experimentadas. Pero ahora esto está cambiando. Ya hay más mujeres jóvenes que tienen edad para ver las condiciones injustas y otra vez se están dando pasos para enfrentarse a los retos y conseguir derechos igualitarios para su propia generación. Parece ser una preocupación eterna y global para todas las mujeres, razón por la que a veces parece tan abrumador y frustrante asumir y discutir planes para reivindicar o escribir cartas a nuestros congresistas hombres y mujeres o manifestarse en Washington para declarar abiertamente que estos asuntos siguen sin estar establecidos… pero debemos continuar inspirándonos las unas a las otras para mantener el ánimo alto y luchar por estos temas.

La libertad es inherente a los EEUU, pero frecuentemente los ricos y codiciosos que lideran nuestra economía abusan de ella alimentando el miedo que impide a algunos hombres aceptar a las mujeres en el lugar de trabajo o permitir que sean líderes. Por ejemplo, la recientes elecciones políticas en los EEUU en las que tuvimos la ocasión de escoger entre una mujer realmente cualificada, Hillary Clinton, o a un senador no experimentado pero buen orador, Barack Obama. Hicimos nuestra elección y claramente el resultado muestra que las mujeres tenemos un largo camino por delante.

Pero las mujeres ya no pedimos permiso, estamos actuando para representarnos a nosotras mismas consiguiendo estudios y abriendo negocios que mantendrán nuestras vidas. Yo trabajo desde mi propia oficina en casa, he llevado a mi hija a la Universidad y estoy cuidando de mis mayores, así es como estamos haciéndolo ahora con dignidad sin dejar de amar a nuestras familias. Más mujeres entienden que es un esfuerzo “humano” el ser libre se sea hombre o mujer, y estamos en esto juntos.

Muchas gracias por esta oportunidad de hablar de Womanhouse y abrir mi corazón femenino americano, espero estar en comunicación con vuestro grupo y trabajar juntas para educar a mujeres y hombres en asuntos que todavía nos afectan globalmente.

Tomar concienciación es sencillo mientras que empoderarnos a nosotras mismas es más difícil; el objetivo que tenemos que alcanzar para una paz duradera y bienestar depende de nuestros planes y actos con coraje.

Susan Frazier, Artista

Queremos agradecer a Susan Frazier el habernos regalado a RUDAX sus recuerdos, sus experiencias y todas estas imágenes que convierten este blog en un sitio de referencia en español sobre esta artista americana.

Versión original de la entrevista

Susan Frazier (3). Nurturant Kitchen, Womanhouse

2010-04-21T20:49:00.010+02:00

Susan Frazier(3). Nurturant Kitchen, Womanhouse

R. Nos gustaría mucho saber en qué trabajo artístico estás ahora. ¿Cómo explicas el cuadro “The Chess Game”?

SF. Mis actuales objetivos artísticos siguen siendo feministas y tan explosivos como siempre. Mis creaciones sirven para provocar y explicar mi condición personal usando símbolos coercitivos (creados por hombres) para definir a las mujeres, como el burka y la separación de géneros. Mis esculturas todavía no tienen copyright y por ello no puedo explicar sus detalles, sólo la inspiración. Serán entre 5 y 6 esculturas de tamaño real como ensamblajes e instalaciones. Muy probablemente haré un bronce o dos en el futuro, mientras tanto mi arte es pintura acrílica de motivos familiares, creados en el tradicional taller de mi casa.

The ChessGame provino de mi primer tropiezo hacia una importante carrera profesional que yo supuse que continuaría hasta la jubilación. La decepción vino cuando me dijeron que mis emociones eran demasiado conflictivas y habían contribuido al despido, aunque posteriormente descubrí que el contrato había sido cancelado porque habían omitido una importante información que eventualmente condujo a la muerte de varios soldados en Alemania.
Me sentí reafirmada pero triste de que hubieran escogido el uso de la palabra "emoción" para hacerme sentir mal y de algún modo, justificar mi marcha de un entorno masculino con el que no encajaba.

La primera vez pinté The ChessGame con un pene real en el hombre de madera pero atrajo tanto odio durante las exposiciones que perdí varios amigos masculinos; y también pasó que la primera pintura fue robada por un familiar celoso que quería guardarlo para el futuro y eventualmente venderlo cuando me hiciera famosa… Él fue codicioso y no ganará nada con sus esfuerzos. Finalmente lo pinté otra vez sin el pene para mantener la paz en mi propia familia, pero lo pintaré de nuevo pronto puesto que mi coraje está retornando según gano sabiduría con la edad.
No me lo estoy inventando… La vida ES más interesante que la ficción.

En cualquier caso el significado de la obra es la clavija que no encaja en el enchufe, representando la falta de comunicación entre hombres y mujeres o empresas y trabajadores. El doble enchufe es que las mujeres tienen que trabajar el doble de duro para alcanzar el mismo nivel que hombres que dan el apoyo femenino por sentado. Los cuadros negros y blancos representan la verdad oculta por la distracción de los movimientos del juego. El ajedrez es un juego de hombres, o esto es lo que ellos creen, les volvería impotentes jugar solos y conforme los cuadros

desaparecen del lienzo, así lo hace la dominación masculina. Obviamente todo es una proyección de un bodegón en una estantería representando nuestra apatía para cambiar a través de la revolución o perdiendo poder por simple desgaste y cayendo del borde de nuestro pedestal.

(continuará...)

Versión original de la entrevista

Susan Frazier (2). Nurturant Kitchen, Womanhouse

2010-04-15T20:09:00.013+02:00

Susan Frazier (2). Nurturant Kitchen, Womanhouse

No hace mucho, contactó con nosotras por medio de este blog la artista americana Susan Frazier. Susan pertenece a la generación de jóvenes alumnas del primer curso de la California Institute of the Arts (CalArts) Feminist Art Program. El propósito de este curso era, como cuenta Sandra Rodo, fortalecer las personalidades de las artistas y ayudarlas a utilizar sus experiencias femeninas como materia prima para la creación artística.

Bajo la dirección de las artistas Judy Chicago (The Dinner Party) y Mirian Schapiro, pioneras del arte feminista norteamericano, y junto con el resto de alumnas de este curso, nace en 1972 la famosa Womanhouse.

Cuenta Rodo: "Después de buscar en Los Ángeles una casa abandonada que fuera lo suficientemente grande para el proyecto y que pudiera ser utilizada sin problemas, el grupo encuentra una casa en ruinas en 553 Mariposa Avenue en Hollywood. La dueña, de edad avanzada, estaba intrigada con el concepto de Womanhouse, y la demolición de la casa fue aplazada hasta la primavera de 1972. Las miembras del Programa de Arte Feminista tuvieron tres meses para renovar el edificio y completar sus instalaciones. Chicago y Schapiro han hecho hincapié en que Womanhouse era una tarea monumental. Su ensayo en el catálogo de la exposición indica la frustración y la ira de las estudiantes, empujadas más allá de los límites de su resistencia".

La casa tenía 17 habitaciones que las artistas y sus profesoras transformaron e interpretaron generando espacios de significación femenina. La casa como espacio con el que las mujeres se han identificado durante siglos y desde el que las mujeres han trabajado para complacer a los demás. Y también como lugar de transgresión dando la vuelta a las tradiciones.

Susan Frazier, junto a Vicki Hodgetts y Robin Weltsch, participó en la creación de la cocina (Nurturant Kitchen) de Womanhouse, uno de los principales espacios simbólicos de la casa.
Ahora, gracias a su generosidad y nuestro empeño, ella misma nos cuenta sus recuerdos de Womanhouse y nos cede imágenes de su archivo personal.

RUDAX. Hola Susan, tenemos una gran curiosidad por saber cómo fue el proceso colectivo de creación de la instalación Nurturant Kitchen, al ser una colaboración entre tres artistas que trabajasteis a partir de vuestras memorias de infancia

SF. Empezamos con sesiones de concienciación para discutir nuestras intenciones y objetivos, para trazar y sentir el enfoque de nuestra actitud feminista. Luego nos agrupamos en parejas haciendo equipos con objetivos comunes. Muchas de las chicas ya tenían pareja y sabían lo que querían hacer, como performances en vivo o pintar una habitación para que pareciera un cuadro; incluso las escaleras y los armarios se trabajaron como temas artísticos feministas. Judy y Miriam hicieron las últimas elecciones para las pocas que éramos nuevas en el arte feminista y yo tuve la suerte de unirme al equipo de la cocina y despensa con Vicki Hodgetts y Robin Weltsch. Colectivamente escogimos "Nutrition Kitchen" (Cocina nutricia), tema que fue incluso más excitante cuando surgió el concepto eggs-to-breasts (de huevos a pechos). Pintándolo todo de rosa (incluso las sartenes y los alimentos) convertimos la cocina en el cuerpo femenino que nos nutre a todos. También forramos los cajones con collages de mujeres y viajes (que fue idea mía y parte de mi aportación artística), y la guinda del pastel fue "Wanda Westcoast's vacuum formed Curtains" las cortinas de la amiga de Judy, que resultaron un acabado perfecto*.

*(Wanda Westcoast terminó la cocina con su arte al vacío haciendo las cortinas. Eran de plexiglás puesto en una mesa de vacío, con una escultura sólida de cerámica de las cortinas, utilizó aire a presión con una aspiradora para forzar al plexiglás a adoptar la forma de las cortinas en movimiento. Luego Wanda pintó el interior del plexiglás formado para confeccionar las cortinas finales que se colgaron).

RUDAX. Los nombres de Judy Chicago y Mirian Schapiro son referentes internacionales dentro del mundo del arte, ¿cómo recuerdas la experiencia de ser alumna del primer programa de arte feminista, qué recuerdo elegirías de las profesoras, del resto de compañeras artistas y de todo el proyecto Womanhouse?, ¿Cómo fueron las relaciones entre vosotras?, ¿y vuestra vivencia del feminismo?

SF. Mi experiencia personal fue excepcional puesto que Judy Chicago y Miriam Schapiro no me conocían personalmente y yo no había alcanzado los méritos durante las primeras entrevistas iniciales; aún así, mi determinación me llevó a hablar de mi deseo de unirme al Programa de Arte Feminista, por lo que Judy finalmente dijo: "Tú no eras nuestra elección más clara, pero estabas tan decidida a unirte que no pudimos decir que no". Así empezó mi travesía en Womanhouse.

A menudo nos reuníamos en grupos de concienciación si surgía algún conflicto… y hubo unos cuantos. Sobre todo mujeres teniendo que trabajar con otras mujeres para planear y ejecutar un proyecto, cosa que muy pocas de nosotras habíamos aprendido por experiencia personal. No habíamos sido educadas para planificar como mujeres con/para mujeres; esto era nuevo e incómodo para nosotras. Éste era parte del objetivo: crecer ya para aprender como mujeres adultas a ser artistas y a trabajar con otros artistas para alcanzar objetivos comunes, fuéramos mujeres u hombres… y a veces tuvimos que darnos de cabezazos para conseguirlo, pero lo hicimos y muy bien según la historia.

(continuará...)

Versión original de la entrevista

SUSAN FRAZIER (1). Nurturant Kitchen, Womanhouse

2010-04-06T00:16:00.002+02:00

Susan Frazier, una de las artistas participantes en Womanhouse (1972), experiencia pionera del arte feminista estadounidense, encontró en internet la entrada que escribimos en este blog acerca del trabajo que ella, Vicki Hodgetts y Robin Weltsch realizaron para esta ocasión: Cocina Nutricia. Susan nos escribió, entramos en contacto y, generosamente, nos ha enviado materiales que vamos a reproducir y ha contestado una entrevista que colgaremos próximamente. Miguel Marco, también generosamente, ha realizado la traducción del inglés. Con nuestro agradecimiento a ambos, aquí va la primera entrega. Me resulta muy sugerente la manera en la que Susan, mediante esa especie de diálogo madre-hija, da cuenta del conflicto entre ambas, y cómo Vicki relata el proceso creativo colectivo de la instalación.

Delantales en la cocina

Susan Frazier

Entra, come… por favor átate el delantal y experimenta el corazón del hogar conmigo.

Ya no estás afuera sino abrazada por mi nutricio útero rosa, que sustenta tu vida con la leche de mis pechos. Sin embargo cortaron el cordón umbilical y debes agarrarte muy fuerte a tu delantal o tendrías que (ejem)… depender de ti misma… (tse, tse)

Debo trabajar más duro para sostener tu vida, satisfacer tus necesidades biológicas, alimentar tus costumbres con costumbres…

¡Yo soy una costumbre para ti! ¡Yo no soy una costumbre! Suéltame, déjame ir, no me conoces, no me posees. Soy un ser humano, no sólo una fuente de trabajo barato para gente vaga.

Quiero desatar este delantal, para ver qué está haciendo el resto del mundo, para ver si puedo ayudar… para verme a mí misma de nuevo. Quiero viajar, para ver maravillas con las que sólo sueño diariamente… para ver maravillas con las que sólo sueño diariamente, ahí mismo en el corazón de la fachada del hogar.

Huevos a Pechos

Vicki Hodgetts

Tuvimos una sesión de concienciación sobre cocinas. Algunas veían las cocinas abundantes, cálidas, nutritivas. Otras las veían peligrosas, con hornos calientes y afilados cuchillos (“Depravación en la cocina – chistan las patatas”). Yo tuve una efímera imagen de huevos fritos estampados por todo, paredes, techo, suelo, y alguna otra vio pechos. Los pechos eran nutricios – las cocinas eran la extensión de la leche materna. Me sentí un poco desdeñada. Yo aún quería huevos. Y entonces Robin dijo: “Porqué no tener una transformación de huevos a pechos”, y todas estuvimos encantadas. Y esto es muy importante, porque aunque yo fui la que finalmente aportó ese aspecto sobre la cocina (en lo principal), fue una idea realmente colectiva. Simplemente nunca hubiera existido si no hubiéramos trabajado juntas.

Helma Sanders-Brahms, Geliebte Clara

2010-03-24T18:57:00.006+01:00

Helma Sanders-Brahms, Geliebte Clara (2008)

Una de las mejores películas de la Muestra de Cine de Mujeres ha sido la versión de la alemana Sanders-Brahms sobre la complicada relación que ella imagina entre Clara Schumann, su marido y el joven Johannes Brahms. Lo primero que llama la atención de la película es lo europea que es, en el planteamiento de la relación triangular, en los colores, ropas, decorados y en la naturalidad de la piel de la actriz y los actores protagonistas.

Hay escenas que tienen tanta fuerza, como la de Clara dirigiendo la orquesta delante de su marido, que resultan totalmente simbólicas y significativas, más incluso que los diálogos. Es de esa clase de películas de las que quieres saber más sobre la historia de la pareja, sobre los porqués de la protagonista, sobre la historia amoroso-maternal de Clara y Johannes... Pero sobre todo, no es la hagiografía de una mujer excepcional, ella es "simplemente" una virtuosa del piano con una vida bastante complicada, con un marido al que admira porque hace una música maravillosa pero al que tiene que proteger en su extrema debilidad, y a la que la necesidad de salir adelante le hace ser pionera en la historia de la música. Y todo esto en el contexto, muy bien reflejado por cierto, del Romanticismo europeo y de una música que cada día creo entender mejor.

CAPERUCITA HA CRECIDO

2010-03-20T23:22:00.004+01:00

y hace tiempo que es mayor de edad. Lo podéis comprobar en la estupenda exposición comisariada por Fanny Guérineau para la XIII Muestra Internacional de Cine realizado por Mujeres, de Zaragoza. En la Galería Antonia Puyó hasta el 10 de abril.

Las piezas de las cinco artistas seleccionadas por Fanny dan interesantísimas pistas acerca del estado actual del videoarte femenino a lo largo y ancho del planeta.

-Está la recreación de genealogía feminista en Re: Facial Hair Trasplant (2007) de Ana Bezelga(Portugal 1979), quien se inserta en el registro fotográfico de una acción llevada a cabo por la artista Ana Mendieta (La Habana 1948-Nueva York 1985) en 1972. Mendieta fue una de las protagonistas del encuentro y abrazo entre arte y feminismo en la década de los setenta del siglo XX en los Estados Unidos. Transfiriendo a su propio rostro el pelo de la barba que Mendieta había pegado a su cara tras pedirlo a un compañero de clase, Bezelga recupera la energía creativa de la artista desaparecida.

-Está la denuncia de los estereotipos sexistas por parte de Jessica Lagunas (Nicaragua 1971) quien organiza su serie de videos Para verte mejor,Para besarte mejor y Para acariciarte mejor (2003) en torno a la repetición. Una hora aplicándose inopinadamente rimel en las pestañas, carmín en los labios y laca en las uñas nos muestra el absurdo de los inalcanzables e hipersexualizados modelos canónicos de belleza femenina. La apuesta es romper la norma no mediante la confrontación radical sino mediante la multiplicación de la propia norma, convertida por acumulación en ininteligible y monstruosa.

-Está la oferta de otras posibilidades para la mirada y otro lenguaje para el deseo. Aude du Pasquier Grall (París 1974) ) graba a un hombre joven, desnudo, sensual, que se le ofrece como objeto, en Le Cycle Masculin nº 7 (2008). Se trata de la séptima entrega de una serie que la artista comenzó en 1998, dedicada a explorar la diversidad masculina

-aquí “el misterio” es el hombre- y produce una sugerente revisión de los conceptos tradicionales de artista y modelo.

-Y está la interrelación del cuerpo con la naturaleza en dos videos que muy acertadamente se presentan en paralelo, pues su confrontación amplifica la poesía de ambos: uno en el mar y otro en el desierto. Ambas autoras construyen nociones de subjetividad encarnadas que aluden a distintas cuestiones:

*La complicada situación política de Oriente Medio late en En Standing on a Watermelon in the Dead Sea (2005) de Sigalit Landau (Israel 1969), mientras la artista pugna por mantenerse dentro del agua del Mar Muerto sobre una sandía (la alta salinidad de este lago la empuja hacia fuera), la filmación bajo el agua de su cuerpo en equilibrio alude tanto al sacrificio (sus brazos en forma de cruz) como al vuelo.

*En Creepcreature (2009), Ingrid Mwangi (1975, Nairobi) lucha denodadamente por avanzar en un desierto de barro que parece querer engullirla. Como en la pieza de Landau, la interdependencia con el entorno y con el legado cultural son claves.

La muestra de cine ha proyectado también una selección de piezas de videoarte de las artistas mencionadas y de otras como Regina José Galindo, Beth Moisés o Mª Adela Díaz, y el imprescindible documental Not for Sale (1998) de Laura Cottingham, que muestra cantidad de grabaciones de archivo acerca del abrazo entre arte y feminismo de los setentaestadounidenses. Todo un lujo.